Skip to main content

Snow is Glistening

  • Download the Program: Download
  • Translation Link: Haga clic aquí para la traducción al español.
  • Minute with the Maestro: Minute with the Maestro
  • Location: Holyoke Community College
  • Author: Jane Rausch
  • Program Notes:

    Richard Smith wrote “Walking in a Winter Wonderland” in 1934. Because its words so aptly awaken memories of many happy holidays, it is not surprising that since that year, some 200 artists have recorded the song.

    Maestro David Kidwell has reinforced these feelings by assembling a program of classic and beloved holiday music with the added attraction of audience favorites: guest violinist, Ronald Gorevic and composer Gwyneth Walker.

    GWYNETH WALKER
    Overture to Diamonds

    Walker composed this 2002 piece in four parts, each section with a diamond inspired central image.

    Part 1: “Cutting Diamonds” is angular and constructed on chords of fourths, a “splitting” motive of a semi-tone, repeated “hammering” accents on the downbeats and glistening D Major triads at the cadences.

    Part 2: “Transparent Diamonds” has a sparse texture, allowing the light to shine through cascading patters in the winds, tremolo and trills in the strings and waves of sound.

    Part 3: “Dancing Diamonds” features the clarinet and percussion in portraying the joy and sparkle of diamonds, followed by “dots of energy” from the viola and piccolo so that everyone joins in the dance.

    Part 4: “Jubilant Diamonds” provides the return of opening materials, now generating a melody in the brass, and rapid figures in the strings and winds to create a flurry of celebration and excitement leading to the return of the theme “Transparent Diamonds” and the final statement of the “splitting” motive.

    MAX BRUCH (1838–1920)
    Violin Concerto No. 1 in G Minor, Op. 26

    Bruch was a German composer, conductor, and teacher who was widely known and respected in his day. He began composing at age 11, and by 14 had produced a symphony and a string quartet: the latter won a prize that allowed him to study with pianist Ferdinand Hillier in Cologne.

    Bruch held various posts as a choral and orchestral conductor in five German cities as well as Liverpool, England. In 1883 he visited America to conduct concerts of his own work. From 1890-1910, he taught composition at the Berlin Academy and received numerous awards for his work, including an honorary doctorate at Cambridge University.

    Composed in 1985 and 1986, Bruch’s Violin Concerto No.1 is a work of lyrical beauty and emotional sincerity. It opens with a dialogue between soloist and orchestra followed by a wide-ranging subject played by the violin. A contrasting theme reaches the highest register of the violin. A stormy section for orchestra recalls the opening dialogue, softening to lead directly into the Adagio, which is based on three important themes, all languorous and sweet, shared by soloist and orchestra.

    DAVID KIDWELL
    An Old English Christmas

    Maestro Kidwell composed this piece for the Holyoke Civic Symphony in 2009. It is a medley of Christmas carols including “Here We Come A-wassaling,” “The Holly and the Ivy,” “I Saw Three Ships,” “God Rest Ye Merry Gentlemen,” and the “Sussex Carol.”

    ELISSA BRILL PASHKIN
    Oy Hanukkah: Reflections and Revels

    Dr. Pashkin is the chair of the HCC Music Department and offers the following introduction for this composition:

    Oy Hanukkah: Reflections and Revels was commissioned and premiered by the Holyoke Civic Symphony in December, 2014, under the direction of Maestro David Kidwell. 2024 marks the tenth anniversary. The piece is structured as a continuous variation of the traditional melody “Oh Hanukkah” (“Oy Hanukkah” in Yiddish). As is typical of many traditional Jewish melodies, it is joyful, while in a minor key. The melody itself is quite simple, which makes it a great candidate for this sort of manipulation.

    It starts out with a kind of a tease, first with a fragment from the solo violin, then another fragment from the solo clarinet (a shout-out to Gershwin’s Rhapsody in Blue), then the full melody is launched. It is a slow, somewhat halting and nostalgic version of the theme. The memories evoked become warmer and more active, but also a little more muddied, with the entrance of the full horn section. As the piece continues, the tempo quickens, and it becomes more fragmented and contrapuntal, with interruptions by the brass choir playing its own harmonized bit of the original tune. It moves into an atmospheric section with hints of celebrations in different locations, akin to the sound of a distant marching band in Charles Ives’ Three Places in New England, only here it is evoking Eastern Europe — like a soundscape to a Chagall painting. The tempo gets faster, and then faster again, and by the end, it breaks into a Klezmer freylekh, or festive dance.

    CLIFTON J. NOBLE, JR.
    Wandering Toward Bethlehem

    Dr. Noble has graciously provided the following description of this composition:

    John Jacob Niles said that his folk-hymn, “I Wonder as I Wander” grew out of three lines of music sung for him by a girl who called herself Annie Morgan. The place was Murphy, North Carolina, and the time was July 1933. I have based my holiday medley “Wandering Toward Bethlehem” on Niles’ haunting melody. It serves as a kind of rondo theme, recurring throughout the piece in various rhythmic guises, interspersed with excursions into African-American spirituals: “Mary Had a Baby,” “Sweet Little Jesus Boy,” “Go Tell It on the Mountain,” and eventually arriving at the “Little Town of Bethlehem.”

    LEROY ANDERSON
    A Christmas Festival and Sleigh Ride

    Anderson was a preeminent American composer of light concert music. He was born in Cambridge, Massachusetts to first-generation Swedish immigrants. Originally a trombonist, he was director of the Harvard Band, and during WWII he served as an Army captain in intelligence. He achieved fame as an arranger for the Boston Pops and for his conducting. The orchestra will perform two of his most familiar holiday compositions.

    A Christmas Festival, written in 1957, is a sparkling arrangement that includes “Joy to the World,” Deck the Halls,” “O Come, O Come, Emmanuel,” “Good King Wenceslas,” “Hark! The Herald Angel Sing,” “Silent Night,” “Jingle Bells,” and “Adeste Fidelis.”

    Sleigh Ride was composed in 1946, ironically during a long heat wave. The lyrics tell of a person who would like to share a sleigh ride on a winter’s day with another person. Ever since it was first recorded in 1949, it has been a holiday favorite. Special effects to listen to besides the sleigh bells are wood blocks to capture the sound of the clip-clopping horses’ hooves, a slapstick to reproduce the cracking whip, and of course, that now famous horse whinny near the end of the piece by a half-valved trumpet glissando that provides a rollicking end for our concert.
  • Author (2): Notas del programa por Jane Rausch, traducido por Eugenio Figueroa
  • Program Notes (2):

    2024-2025: La temporada 58 de Holyoke Civic Symphony

    La Nieve Brilla

    Richard Smith escribió “Walking in a Winter Wonderland” en 1934. Debido a que sus letras evocan tan adecuadamente recuerdos de las Navidades, no es sorprendente que, desde ese año, alrededor de 200 artistas hayan grabado la canción.

    El maestro David Kidwell ha reforzado estos sentimientos al curar un programa de música clásica y navideña querida, con el atractivo adicional de los favoritos del público: el violinista invitado Ronald Gorevic y la compositora Gwyneth Walker.

    GWYNETH WALKER
    Overture to Diamonds
    “Obertura a los Diamantes”

    Walker compuso esta pieza en el 2002 en cuatro partes, cada sección con una imagen central inspirada en un diamante.

    Parte 1: “Corte de Diamantes” es angular y se construye sobre acordes de cuartas, con un motivo de “división” de un semitono, con acentuaciones de “martillo” repetidas en los tiempos fuertes y triadas de Re mayor brillantes en las cadencias.

    Parte 2: “Diamantes Transparentes” tiene una textura esparcida, permitiendo que la luz se filtre a través de patrones en cascada en los vientos, trémolos y trinos en las cuerdas, y olas de sonido.

    Parte 3: “Diamantes Bailarines” destaca el clarinete y la percusión para representar la alegría y el brillo de los diamantes, seguido de “puntos de energía” de la viola y el piccolo, para que todos se unan en la danza.

    Parte 4: “Diamantes Jubilosos” presenta el retorno de los materiales inicial, ahora generando una melodía en los metales, y figuras rápidas en las cuerdas y los vientos para crear un torbellino de celebración y emoción, conduciendo al regreso del tema “Diamantes Transparentes” y la declaración final del motivo de “división”.

    MAX BRUCH (1838–1920)
    Concierto para Violín No. 1 en sol menor, Op. 26

    Bruch fue un compositor, director de orquesta y maestro alemán, ampliamente conocido y respetado en su época. Comenzó a componer a los 11 años, y a los 14 ya había producido una sinfonía y un cuarteto de cuerdas: este último ganó un premio que le permitió estudiar con el pianista Ferdinand Hillier en Colonia.

    Bruch ocupó diversos puestos como director de coros y orquestas en cinco ciudades alemanas, así como en Liverpool, Inglaterra. En 1883 visitó Estados Unidos para dirigir conciertos de sus propias obras. Entre 1890-1910, enseñó composición en la Academia de Berlín y recibió numerosos premios por su trabajo, incluyendo un doctorado honorario en la Universidad de Cambridge.

    Compuesto entre 1885 y 1886, el Concierto para Violín No. 1 de Bruch es una obra de belleza lírica y sinceridad emocional. Comienza con un diálogo entre el solista y la orquesta, seguido de un tema de gran alcance interpretado por el violín. Un tema contrastante alcanza el registro más alto del violín. Una sección tormentosa para orquesta recuerda el diálogo inicial, suavizándose para dar paso directamente al Adagio, que se basa en tres temas importantes, todos lánguidos y dulces, compartidos por el solista y la orquesta.

    DAVID KIDWELL
    An Old English Christmas
    “Una Navidad Inglesa Antigua”

    El Maestro Kidwell compuso esta obra para la HCS en 2009. Es una mezcla de villancicos navideños que incluye “Here We Come A-wassailing”, “The Holly and the Ivy”, “I Saw Three Ships”, “God Rest Ye Merry Gentlemen” y “Sussex Carol”.

    ELISSA BRILL PASHKIN
    Oy Hanukkah: Reflections and Revels
    “Oy Hanukkah: Reflexiones y Celebraciones”

    La Dra. Pashkin es la directora del Departamento de Música de HCC y ofrece la siguiente introducción para esta composición:

    Oy Hanukkah: Reflexiones y Celebraciones fue comisionada y estrenada por la Holyoke Civic Symphony en diciembre de 2014, bajo la dirección del Maestro David Kidwell. El 2024 marca el décimo aniversario. La obra está estructurada como una variación continua de la melodía tradicional “Oh Hanukkah” (“Oy Hanukkah” en yidis). Como es típico de muchas melodías judías tradicionales, es alegre, pero en una tonalidad menor. La melodía en sí misma es bastante simple, lo que la convierte en una excelente candidata para este tipo de manipulación.

    Comienza con una especie de provocación, primero con un fragmento del violín solista, luego otro fragmento del clarinete solista (un guiño a la “Rhapsody in Blue” de Gershwin), y luego se lanza la melodía completa. Es una versión lenta, algo hesitante y nostálgica del tema. Los recuerdos evocan sensaciones más cálidas y activas, pero también un poco más combinadas, con la entrada de la sección completa de metales. A medida que avanza la obra, el tempo se acelera, y se vuelve más fragmentada y contrapuntística, con interrupciones del coro de metales tocando su propia versión armonizada de la melodía original. La obra se traslada a una sección atmosférica con toques de celebraciones en diferentes lugares, similar al sonido de una banda de marcha distante en Three Places in New England de Charles Ives, aunque aquí evoca el Europa del este—como una escena sonora de una pintura de Chagall. El tempo se acelera, luego se acelera aún más, y al final, la pieza estalla en un freylekh klezmer, o danza festiva.

    CLIFTON J. NOBLE, JR.
    Wandering toward Bethlehem
    “Vagando Hacia Belén”

    El Dr. Noble ha tenido la amabilidad de proporcionar la siguiente descripción de esta composición:

    John Jacob Niles dijo que su himno folklorico “I Wonder as I Wander” nació de tres líneas musicales que le cantó una niña que se hacía llamar Annie Morgan. El lugar fue Murphy, Carolina del Norte, y el momento fue julio de 1933. He basado mi medley navideño “Vagando Hacia Belén” en la melodía emotiva de Niles. Esta sirve como una especie de tema de rondó, repitiéndose a lo largo de la obra en diversas formas rítmicas, intercaladas con excursiones a espirituales afroamericanos: “Mary Had a Baby”, “Sweet Little Jesus Boy”, “Go Tell It on the Mountain”, y finalmente llegando a “Little Town of Bethlehem”.

    LEROY ANDERSON
    A Chistmas Festival and Sleigh Ride
    “Un Festival de Navidad y Paseo en Trineo”

    Anderson fue un compositor estadounidense destacado de música ligera para conciertos. Nació en Cambridge, Massachusetts, hijo de inmigrantes suecos de primera generación. Originalmente trombonista, fue director de la Banda de la Universidad de Harvard y, durante la Segunda Guerra Mundial, sirvió como capitán del ejército en inteligencia. Alcanzó la fama como arreglista para la Boston Pops y por su labor como director. La orquesta interpretará dos de sus composiciones navideñas más conocidas.

    Un Festival de Navidad, escrito en 1957, es un arreglo brillante que incluye “Joy to the World”, “Deck the Halls”, “O Come, O Come, Emmanuel”, “Good King Wenceslas”, “Hark! The Herald Angels Sing”, “Silent Night”, “Jingle Bells” y “Adeste Fideles”.

    Paseo en Trineo fue compuesto en 1946, irónicamente durante una ola de calor prolongada. La letra cuenta la historia de una persona que desearía compartir un paseo en trineo en un día de invierno con otra persona. Desde su primera grabación en 1949, ha sido una de las favoritas durante las fiestas. Los efectos especiales a escuchar, además de las campanitas de trineo, bloques de madera para capturar el sonido de los cascos de los caballos, una “slapstick” para reproducir el sonido del látigo, y, por supuesto, el famoso relincho del caballo al final de la pieza, logrado mediante un glissando en la trompeta con válvula doble que proporciona un final animado para nuestro concierto.

2024 December Concert Flyer

Sunday, December 8, 2024 at 3:00 p.m.

Holyoke Community College

Walker: Overture of Diamonds
Bruch: Violin Concerto
Ronald Gorevic, violin
Plus Christmas and holiday favorites!

People Get Ready

  • Download the Program: Download
  • Translation Link: Haga clic aquí para la traducción al español.
  • Minute with the Maestro: Minute with the Maestro
  • Location: Holyoke Community College
  • Author: Jane Rausch
  • Program Notes:

    Of the three pieces on the program this afternoon, only the Dvořák may be familiar, but the theme of this program suggests that audience members will appreciate the brilliance of the other selections.

    WILLIAM GRANT STILL (1895–1978)
    Festive Overture

    Known as the “Dean of African-American composers,” Still produced nearly two hundred works, including five symphonies, four ballets, nine operas, and numerous choral works, art songs, chamber music, and solo works. Born in Little Rock, Arkansas, he attended Wilberforce University and the Oberlin Conservatory of Music, and he is considered to be part of the Harlem Renaissance.

    His Festive Overture is a vibrant, celebratory orchestral piece characterized by a bold opening fanfare, a driving main theme, and a playful use of instrumentation structure. It is considered a prime example of Still’s ability to blend traditional forms with his own unique musical identity, often described as full of energy and optimism. The work stands as a testament to Still’s ability to create music that is both technically accomplished and deeply rooted in the American spirit.

    MARGARET BONDS (1913–1972)
    The Montgomery Variations

    Margaret Bonds came from a middle-class family in Chicago and showed early talent as a pianist and composer. She studied with Florence Price and at Chicago’s Northwestern University. Near the end of her studies, she performed John Carpenter’s Piano Concerto with the Chicago Symphony Orchestra, becoming the first Black soloist with that orchestra.

    During her studies she became familiar with the poetry of Langston Hughes and later set several of his poems to music. On Hughes’s urging, she moved to New York to collaborate with him and study at Juilliard. In 1967, she moved with her daughter Diane to Los Angeles for a new start.Bonds composed The Montgomery Variations after the 1963 fire bombing of Birmingham’s 16th Street Baptist Church which killed four young girls and prompted Martin Luther King to deliver a forceful and touching eulogy.

    For the piece we hear today, Bonds wrote her own program notes which follow:

    The Montgomery Variations is a group of freestyle variations based on the Negro Spiritual theme, “I Want Jesus to Walk with Me.”

    The treatment suggests the manner in which Bach constructed his partitas—a bold statement of theme, followed by variations of the theme in the same key—major and minor.

    I want Jesus to walk with me.
    I want Jesus to walk with me.
    All along my pilgrim journey,
    Lord, I want Jesus to walk with me.

    In my trials, Lord, walk with me.
    In my trials, Lord, walk with me.
    When my heart is almost breaking,
    Lord, I want Jesus to walk with me.

    When I’m in trouble, Lord walk with me.
    When I’m in trouble, Lord walk with me.
    When my head is bowed in sorrow,
    Lord, I want Jesus to walk with me.

    Bonds noted that while the world was shaken by the cruelty of the Sunday School bombing, Blacks, as usual, leaned on their Jesus to carry them through this crisis of grief and humiliation.

    ANTONÍN DVOŘÁK (1841–1904)
    Cello Concerto in B minor, Op. 104

    Antonín Dvořák was the eldest of fourteen children born to a couple living in Nelahozeves near Prague. In primary school he showed early talent by playing the violin in the village band and the Catholic Church. His father was pleased with his accomplishments and sent him to live with an uncle where he could learn German. He also studied piano, organ, and music theory. At the age of 16, his father allowed Antonín to become a musician on the condition that he would work to become an organist.

    After leaving for Prague in 1859, Dvořák enrolled in the city’s Organ School. He graduated second in his class but was unable to secure a church organist position. He was playing viola in local orchestras while beginning to compose, and in 1873 he married Anna Cermáková.

    In 1874 he was still mostly unknown as a composer outside of Prague, but in that year, he applied for and won the Austrian State Prize for composition for which he submitted 15 works including two symphonies. His first piece of a religious nature—a setting of the Stabat Mater—was premiered in Prague in 1880. After it was performed and well-received at the Royal Albert Hall in London on March 10, 1883, its success sparked a whole series of performances in England and the United States. Dvořák was invited to conduct concerts in London.

    In 1892 Dvořák became the director of the National Conservatory of Music in America in New York City. While in the U.S. he wrote his two most successful orchestral works: The Symphony From the New World and his Cello Concerto which we hear today.

    The Cello Concerto in B minor, Op. 104

    This piece is scored by a full romantic orchestra (with the exception of a fourth horn), and is in the standard three movement concerto format.

    The Allegro first movement begins in B minor and then shifts to B major. It is followed by the second movement: Adagio, ma non troppo in G Major, and ends with a masterful finale: Allegro moderato—Andante—Allegro vivo (B minor then B major; about 13 minutes).

    The concerto is especially remarkable because Dvořák believed that the cello’s nasal high register made it unsuitable as a solo instrument with orchestral accompaniment. In this concerto he overcame this prejudice by finding a way to score it so that the orchestra doesn’t overshadow the sweet low and middle registers, while affording the soloist plenty of opportunities to shine. As a result, nearly every well-known cellist has considered it the “king,” “supreme,” and the “greatest” cello solo to perform.
  • Author (2): Notas del programa por Jane Rausch, traducido por Eugenio Figueroa
  • Program Notes (2):

    2024-2025: La temporada 58 de Holyoke Civic Symphony

    Gente, Prepárensen

    De las tres piezas en el programa de esta tarde, solo la de Dvořák podrá ser familiar, pero el tema de este programa sugiere que los miembros de la audiencia apreciarán el brillo de las otras selecciones.

    William Grant Still (1895–1978)
    Obertura Festiva

    Conocido como el “Decano de los compositores afroamericanos,” Still produjo casi doscientos trabajos, incluyendo cinco sinfonías, cuatro ballets, nueve óperas y numerosas obras corales, canciones de arte, música de cámara y obras solistas. Nacido en Little Rock, Arkansas, asistió a la Universidad de Wilberforce y al Conservatorio de Música de Oberlin, y considerado como parte del Renacimiento de Harlem.

    Su Overtura Festiva es una vibrante y celebratoria pieza orquestal caracterizada por una audaz fanfarria inicial, un tema principal enérgico y un uso juguetón de la estructura instrumental. Se considera un ejemplo destacado de la habilidad de Still para fusionar formas tradicionales con su única propia identidad musical, a menudo descrita como llena de energía y optimismo. La obra es un testimonio de la capacidad de Still para crear música que es tanto técnicamente lograda como profundamente basada en el espíritu estadounidense.

    Margaret Bonds (1913–1972)
    Las Variaciones de Montgomery

    Margaret Bonds proviene de una familia de clase media en Chicago y mostró desde temprano talento como pianista y compositora. Estudió con Florence Price en la Universidad Northwestern en Chicago. Hacia el final de sus estudios, interpretó el Concierto para piano de John Carpenter con la Orquesta Sinfónica de Chicago, convirtiéndose en la primera solista negra en tocar con esa orquesta.

    Durante sus estudios, se familiarizó con la poesía de Langston Hughes y más tarde musicalizó varios de sus poemas. Por insistencia de Hughes, se mudó a Nueva York para colaborar con él y estudiar en Juilliard. En 1967, se mudó con su hija Diane a Los Ángeles para un nuevo comienzo.

    Bonds compuso Las Variaciones de Montgomery luego del atentado con bomba en la iglesia bautista el calle 16 de Birmingham en 1963, que causó la muerte a cuatro niñas y llevó a Martin Luther King a pronunciar una contundente y conmovedora homilía.

    Para la pieza que escucharemos hoy, Bonds escribió su propia notas del programa, que sigue a continuación:

    Las Variaciones Montgomery es un grupo de variaciones en estilo libre basadas en el tema del Spiritual Negro, "I Want Jesus to Walk with Me" (Quiero que Jesús Camine Conmigo).

    El tratamiento sugiere la manera en que Bach construyó sus partituras: una declaración audaz del tema, seguida de variaciones del tema en la misma tonalidad—mayor y menor.

    Quiero que Jesús camine conmigo.
    Quiero que Jesús camine conmigo.
    A lo largo de mi peregrinaje,
    Señor, quiero que Jesús camine conmigo.

    En mis pruebas, Señor, camina conmigo.
    En mis pruebas, Señor, camina conmigo.
    Cuando mi corazón casi se quebrante,
    Señor, quiero que Jesús camine conmigo.

    Cuando yo esté en problemas, Señor, camina conmigo.
    Cuando yo esté en problemas, Señor, camina conmigo.
    Cuando mi cabeza se inclina por el dolor,
    Señor, quiero que Jesús camine conmigo.

    Bonds observó que, mientras el mundo estaba afectado por la crueldad del atentado en la escuela dominical, los negros, como siempre, se apoyaron en su Jesús para ayudarlos a superar esta crisis de dolor y humillación.

    Antonín Dvořák (1841–1904)
    Concierto para violonchello en si minor, Op. 104

    Antonín Dvořák fue el mayor de catorce hijos nacidos de una pareja que vivía en Nelahozeves, cerca de Praga. En la escuela primaria, mostró talento temprano al tocar el violín en la banda del pueblo y en la iglesia católica. Su padre estaba complacido con sus logros y lo envió a vivir con un tío donde podría aprender alemán. También estudió piano, órgano y teoría musical. A la edad de 16 años, su padre permitió que Antonín se convirtiera en músico bajo la condición de que trabajara para convertirse en organista.

    Después de trasladarse a Praga en 1859, Dvořák se matriculó en la Escuela de Órgano de la ciudad. Se graduó en segundo lugar en su clase, pero no logró conseguir un puesto como organista en una iglesia. Tocaba la viola en orquestas locales mientras comenzaba a componer, y en 1873 se casó con Anna Cermáková.

    En 1874, aún era prácticamente desconocido como compositor fuera de Praga, pero ese año solicitó y ganó el Premio Estatal Austriaco para la composición, para el cual presentó 15 obras, incluyendo dos sinfonías. Su primera obra de carácter religioso—una versión del Stabat Mater—se estrenó en Praga en 1880. Después de ser interpretada y bien recibida en el Royal Albert Hall de Londres el 10 de marzo de 1883, su éxito dio lugar a una serie de presentaciones en Inglaterra y los Estados Unidos. Dvořák fue invitado a dirigir conciertos en Londres.

    En 1892, Dvořák se convirtió en director del Conservatorio Nacional de Música en América en la ciudad de Nueva York. Mientras estuvo en los Estados Unidos, escribió sus dos obras orquestales más exitosas: La Sinfonía del Nuevo Mundo y su Concierto para Chelo, que escucharemos hoy.

    Concierto para chelo en si menor, Op. 104

    Esta pieza está orquestada para una orquesta romántica completa (con la excepción de un cuarto corno) y sigue el formato estándar de tres movimientos de un concierto.

    El primer movimiento, Allegro, comienza en si menor y luego cambia a si mayor. Le sigue el segundo movimiento: Adagio, ma non troppo en sol mayor, y termina con un magistral finall: Allegro moderato—Andante—Allegro vivo (si menor luego si mayor; aproximadamente 13 minutos).

    El concierto es especialmente notable porque Dvořák creía que el registro nasal alto del chelo lo hacía inadecuado como instrumento solista con acompañamiento orquestal. En este concierto, superó este prejuicio al encontrar una manera de orquestarlo de tal manera que la orquesta no opaque los dulces registros bajos y medios, mientras ofreciendo oportunidades al solista para brillar. Como resultado, casi todos los chelistas famosos lo han considerado el "rey", el "supremo" y el "más grande" solo de chelo para interpretar.

2025 March Concert Flyer

Sunday, March 9, 2025 at 3:00 p.m.

Holyoke Community College

Still: Festive Overture
Bonds: The Montgomery Variations
Dvořák: Cello Concerto in B minor, Op. 104
Zachary Sears, cello

The Best is Yet to Come

  • Download the Program: Download
  • Translation Link: Haga clic aquí para la traducción al español.
  • Minute with the Maestro: Minute with the Maestro
  • Location: Holyoke Community College
  • Author: Jane Rausch
  • Program Notes:

    The final program of the 58th season of the HCS includes a Shostakovich cello concerto performed by Jiyu Moon, winner of the biennial Thomas Schwab Memorial Student Concerto Competition, and two works which demonstrate that musical composition in the United States is a flourishing pursuit.

    QUINN MASON (b. 1996)
    Rise to the Occasion

    Composer and conductor Mason is based in Dallas, Texas, but recently served as the Detroit Symphony Orchestra’s Classical Roots composer in residence. In addition, he has been a guest conductor of orchestras in West Virginia, Texas, and California. His Rise to the Occasion portrays the idea of overcoming challenges and performing at one’s best in a demanding situation. Celebratory and festive, yet thoughtful and introspective, a jovial mood informs the entire piece.

    DMITRI SHOSTAKOVICH (1906–1975)
    Cello Concerto No. 1

    Shostakovich grew up in St. Petersburg, the eldest of six children born to Siberian immigrants. His musical talents were soon evident when he began piano lessons with his mother at age nine, and four years later, he was admitted to the Petrograd Conservatory where he studied piano and composition. In 1925 he enrolled in conducting classes and led the conservatory orchestra in a private performance of Beethoven’s First Symphony. Heavily influenced by Neoclassicism and the late Romanticism of Gustav Mahler, his orchestral works include 15 symphonies and six concerti. His stage work consists of three complete operas and three ballets. Shostakovich’s reputation has continued to grow since his death, perhaps stoked by debate about the relationship of his music and his attitude toward the Soviet government.

    Shostakovich wrote this concerto specifically for a younger colleague, Mstislav Rostropovich. It is marked by mocking alternating with abject gloom—the qualities that kept the composer in hot water with the cultural commissars for much of his creative life. However, the concerto also includes a strain of Soviet Realism which allowed it to achieve popularity at home without official interference. At today's performance, we will only be playing the first two movements of the concerto; we will begin with the Moderato second movement and finish with the Allegretto first movement.

    The Moderato movement—the score’s longest—features a poignant cantilena theme for the cello answered by clarinets and followed by a striking melody for muted violins. The movement winds down with a dramatic diminuendo riff for the cello involving eerie harmonics, the solo horn joining in against the tinkling of the celeste. This leads without a break into the third movement, Cadenza (attacca), which is basically a cello cadenza, ferociously demanding based on themes from the preceding movements.

    The Allegretto movement is in the style of a jocular march. It has a simple four-note rhythmic motto theme, essential to the entire structure of the movement, that is brought back at the work’s end. The solo French horn plays a vital part here and throughout much of the concerto.

    HOWARD HANSON (1896–1981)
    Symphony No. 2 in D-flat major, Op. 30, “Romantic”

    Howard Hanson was an American composer, conductor, educator and music theorist. As director of the Eastman School of Music, he raised its quality and provided opportunities for commissioning and performing American classical music. In 1944, he won a Pulitzer Prize for his Symphony No. 4 and received numerous other awards including the George Foster Peabody Award for Outstanding Entertainment in Music in 1946.

    He wrote his Symphony No. 2 on commission from Serge Koussevitsky for the 50th anniversary of the Boston Symphony Orchestra. Nearly 100 years old, it still has audience appeal, is very playable, and is regarded by some critics as the “great American Symphony.”

    The Adagio first movement begins with a motif made up of three rising pitches (A-flat, B-flat, B). Beginning quietly in the woodwinds, the persistently repeating motif grows into an ominous, titanic force before fading back into silence. Amid alternating combinations of instrumental voices, it forms a kaleidoscope of shifting tone colors. A haunting drumbeat in the timpani recalls the mighty opening bars of Brahms’s First Symphony. This three-note motivic thread returns in the following movements. The “lyrical haunting second theme” has become known as the “Interlochen Theme” as it is performed at the conclusion of most public performances at the Interlochen Arts Camp.

    The principal theme of the second movement, Andante con tenerezza, evokes a tender Scandinavian hymn. This is music which suggests a majestic shifting landscape. Each moment seems to bring a new, shimmering vista. Serene, glassy lakes give way to towering peaks. The final movement, Allegro con brio, begins with bright, festive splashes of color. These opening bars and passages from later on in the movement directly inspired the music for the chase scene from John Williams’s soundtrack for the 1982 film, E.T. This movement ranges from jubilant Scandinavian to dramatic fanfares in the trumpets and horns. As the motto theme reaches its peak, it breaks off suddenly, and we are left with the intimacy of a string quartet. The final triumphant bars bring back the second movement’s theme.
  • Author (2): Notas del programa por Jane Rausch, traducido por Eugenio Figueroa
  • Program Notes (2):

    2024-2025: La temporada 58 de Holyoke Civic Symphony

    Lo mejor está por venir

    El programa final de la 58a temporada de la HCS incluye un concierto para violonchelo de Shostakovich interpretado por Jiyu Moon, ganadora del Concurso Bienal de Conciertos para Estudiantes en Memoria de Thomas Schwab, y dos obras que demuestran que la composición musical en Estados Unidos es una actividad en pleno florecimiento.

    QUINN MASON (b. 1996)
    Rise to the Occasion

    El compositor y director Quinn Mason reside en Dallas, Texas, pero recientemente se desempeñó como compositor en residencia del programa Classical Roots de la Orquesta Sinfónica de Detroit. Además, ha sido director invitado de orquestas en West Virginia, Texas y California. Su obra Rise to the Occasion (Mostrarse a la Altura de las Circunstancias) representa la idea de superar desafíos y ejecutar al máximo en situaciones exigentes. Festiva y celebratoria, pero también reflexiva e introspectiva, toda la pieza está informada de un ánimo jovial.

    DMITRI SHOSTAKOVICH (1906–1975)
    Concierto para violonchelo n. 1

    Shostakóvich creció en San Petersburgo, siendo el mayor de seis hijos de inmigrantes siberianos. Su talento musical se manifestó pronto cuando comenzó a tomar clases de piano con su madre a los nueve años, y cuatro años después fue admitido en el Conservatorio de Petrogrado, donde estudió piano y composición. En 1925 se inscribió en clases de dirección orquestal y dirigió la orquesta del conservatorio en una presentación privada de la Primera Sinfonía de Beethoven. Influenciado en gran medida por el neoclasicismo y el romanticismo tardío de Gustav Mahler, sus obras orquestales incluyen 15 sinfonías y seis conciertos. Su producción escénica consta de tres óperas completas y tres ballets. La reputación de Shostakóvich ha seguido creciendo desde su muerte, quizás alimentada por el debate en torno a la relación entre su música y su actitud hacia el gobierno soviético.

    Shostakóvich escribió este concierto específicamente para un colega más joven, Mstislav Rostropóvich. Está marcado por alternancias entre la burla y una profunda melancolía—características que mantuvieron al compositor en aguas calientes con los comisarios culturales durante gran parte de su vida creativa. Sin embargo, el concierto también incorpora elementos del Realismo Soviético, lo cual permitió que ganara popularidad en su país sin interferencias oficial.

    En la presentación de hoy, solo se interpretarán los dos primeros movimientos del concierto; comenzaremos con el segundo movimiento, Moderato, y finalizaremos con el primer movimiento, Allegretto. El movimiento Moderato—el más extenso de la partitura—presenta un tema de cantilena conmovedor para el violonchelo, respondido por los clarinetes y seguido de una melodía llamativa para los violines con sordina. El movimiento se desvanece con un pasaje en diminuendo dramático para el violonchelo que incluye armónicos tenebroso, al que se une la trompa solista sobre el tintineo de la celesta. Esto lleva sin interrupción al tercer movimiento, Cadenza (attacca), que es básicamente una cadencia de violonchelo, ferozmente exigente y basada en temas de los movimientos anteriores.

    El movimiento Allegretto tiene el estilo de una marcha jovial. Contiene un motivo rítmico de cuatro notas, simple pero esencial para toda la estructura del movimiento, que se retoma al final de la obra. La trompa solista desempeña un papel vital aquí y a lo largo de gran parte del concierto.

    HOWARD HANSON (1896–1981)
    Sinfonía n. 2 en re bemol mayor, Op. 30, “Romántica”

    Howard Hanson fue un compositor, director, educador y teórico musical estadounidense. Como director de la Escuela de Música Eastman, elevó su nivel académico y brindó oportunidades para comisionar y ejecutar música clásica estadounidense.

    En 1944, ganó el Premio Pulitzer por su Sinfonía n.o 4 y recibió numerosos otros reconocimientos, entre ellos el Premio George Foster Peabody por entretenimiento musical sobresaliente en 1946. Compuso su Sinfonía n.o 2 por encargo de Serge Koussevitzky para conmemorar el 50 aniversario de la Orquesta Sinfónica de Boston. Casi un siglo después, sigue cautivando al público, es muy accesible para las orquestas y algunos críticos la consideran la “gran sinfonía estadounidense”.

    El primer movimiento, Adagio, comienza con un motivo de tres notas ascendentes (la♭, si♭, si). Iniciado suavemente en los instrumentos de viento madera, este persistente motivo se repite hasta transformarse en una fuerza ominosa y titánica, para luego desvanecerse en el silencio. A través de alternando combinaciones de timbres instrumentales, se despliega un caleidoscopio de colores tonales en constante cambio. Un redoble inquietante en los timbales evoca los imponentes compases iniciales de la Primera Sinfonía de Brahms. Este hilo motívico de tres notas reaparece en los movimientos siguientes. El “segundo tema lírico y evocador” se conoce como el “Tema de Interlochen”, ya que suele interpretarse al final de muchas presentaciones públicas en el campamento artístico Interlochen.

    El tema principal del segundo movimiento, Andante con tenerezza, evoca un tierno himno. escandinavo. Es una música que sugiere un paisaje majestuoso en transformación constante. Cada momento revela una nueva y resplandeciente vista: serenos lagos de cristal dan paso a imponentes cumbres montañosas.

    El movimiento final, Allegro con brio, se inicia con estallidos brillantes y festivos de color. Estos compases iniciales, así como otros pasajes del movimiento, inspiraron directamente la música de la escena de persecución en la banda sonora de John Williams para la película E.T. de 1982. Este movimiento oscila entre un júbilo escandinavo y fanfarrias dramáticas de trompetas y trompas. Cuando el tema principal alcanza su clímax, se interrumpe de forma repentina, dejando solo la intimidad de un cuarteto de cuerdas. Los compases finales, triunfantes, recuperan el tema del segundo movimiento.

2025 May Concert Flyer

Sunday, May 4, 2025 at 3:00 p.m.

Holyoke Community College

Mason: Rise to the Occasion
Shostakovich: Cello Concerto No. 1
Jiyu Moon, cello
Hanson: Symphony No. 2, "Romantic"

Simply the Best

  • Download the Program: Download
  • Translation Link: Haga clic aquí para la traducción al español.
  • Minute with the Maestro: Minute with the Maestro
  • Location: Holyoke Community College
  • Author: Jane Rausch
  • Program Notes:

    Classical music heritage has grown extraordinarily rich by the twenty-first century. We have the luxury and the difficulty of picking and choosing from among a bevy of fine works by established composers who lived between the sixteenth and twentieth centuries. For this afternoon, Maestro Kidwell has provided a nudge towards finding “simply the best,” by programing compositions by Leonard Bernstein, Wolfgang Amadeus Mozart, and Johannes Brahms.

    LEONARD BERNSTEIN (1918–1990)
    Overture to Candide

    Bernstein was a contemporary American composer who began his formal music studies at Juilliard and continued them at the University of Michigan, Bard College, and Princeton University where he earned a PhD. He was a pianist, teacher, mentor, conductor, and composer of both popular musical theatre and “serious work.” Candide, one of his earliest musical productions, was based on Voltaire’s novella.

    The play itself was not a great success, but the overture has achieved an enduring place in the musical theatre repertoire. Crafted from a buoyant collection of the most memorable of the show’s tunes, it has become one of the most performed works by an American composer on symphony concerts.

    WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756–1791)
    Oboe Concerto in C Major

    Mozart was a prolific and influential composer of the Classical period who, despite his short life, produced more than 800 compositions representing virtually every Western classical genre of his time. Many of his works are acknowledged as pinnacles of the symphonic, concertante, chamber, operatic, and choral repertoire. They are admired for their melodic beauty, their formal elegance, and their richness of harmony and texture.

    Mozart composed 27 piano concertos, including five for violin, four for horn, and one each for flute, oboe, clarinet, and bassoon. For oboe he wrote the concerto in the key of C major, but in 1777, being desperate for money, he transposed this piece into the key of D major to accommodate an amateur French flutist. By the mid-twentieth century, it was thought that the oboe concerto had been lost, until musicians realized that it was now being performed on the flute. Oboists were of course delighted to reclaim the work, which was composed when Mozart was only twenty-one, for it’s a pleasant, untroubled composition cast in three movements.

    The first movement, Allegro aperto, provides an ingratiating series of cheerful motives as the lead into the Oboe’s entrance, but Mozart withholds the main themes from the soloist and gives it to the orchestra. The solo oboe then entertains with a variety of virtuosi figurations, and regales us with a cadenza, after which the movement quickly moves through familiar themes to the end.

    The second movement, Adagio non troppo, is an earnest, expressive aria in the best vocal Italian style, and the final movement, Rondo: Allegretto is a charming romp of a rondo with a bubbling main theme. Flutists have enjoyed claim to this delightful little concerto for well over a century, but it is a pleasure to hear in its original guise – the voice of the effervescent, wry oboe.

    JOHANNES BRAHMS (1833–1897)
    Symphony No. 2 in D major, Op. 73

    Brahms was born in Hamburg on May 7, 1833, into a Lutheran family, but he spent much of his professional life in Vienna, Austria, where he was a leader of the musical scene in the second half of the nineteenth century. He composed for piano, chamber ensembles, symphony orchestra, and for voice and chorus. A virtuoso pianist, he premiered many of his own works, and he worked with some of the leading performers of his time, including pianist Clara Schumannn and violinist Joseph Joachim. Brahms’s popularity and influence were considerable during his lifetime. Following a comment by the nineteenth-century conductor Hans von Bülow, he is sometimes grouped with Bach and Beethoven as one of the “Three Bs.”

    Brahms was just 44 when he wrote his second symphony, which seems to reflect his relaxed state of mind during the summer of 1877.

    Because of its lyrical nature, it is sometimes referred to as a “Pastoral” symphony in marked contrast to the storm and stress of its predecessor, the C minor, written the year before. The D major, nevertheless, is exceptionally intricate in nature in its own genial fashion.

    The first movement, Allegro non troppo, opens with the cellos and basses intoning a four-note motif that returns in various guises throughout the symphony and forms the core of the piece. The movement also includes a waltz-like theme that recalls Brahms’s well-known cradle song.

    The second movement, Adagio non troppo, is one of Brahms’ loveliest creations, beginning with the cello section spinning out a long-breathed, elegant line. The lyricism continues with other equally attractive tunes, and after a short development, the movement ends as tranquilly and softly as does the first.

    The third movement, Allegretto non troppo, opens with the oboe’s presentation of the principal melody that returns throughout, alternating with fleet interludes. It is the most cheerful finale among Brahms’s four symphonies for it radiates energy and optimism from start to finish.
  • Author (2): Notas del programa por Jane Rausch, traducido por Eugenio Figueroa
  • Program Notes (2):

    2024-2025: La temporada 58 de Holyoke Civic Symphony

    Simplemente el major

    El patrimonio de la música clásica ha crecido extraordinariamente rico para el siglo XXI. Contamos con el lujo y la dificultad de escoger y elegir entre una gran cantidad de excelentes obras de compositores establecidos que vivieron entre los siglos XVI y XX. Para esta tarde, el Maestro Kidwell ha proporcionado un impulso hacia la búsqueda de “simplemente lo mejor,” al programar composiciones de Leonard Bernstein, Wolfgang Amadeus Mozart y Johannes Brahms.

    LEONARD BERNSTEIN (1918–1990)
    Obertura de Candide

    Bernstein fue un compositor contemporáneo estadounidense que comenzó sus estudios formales de música en Juilliard y los continuó en la Universidad de Michigan, Bard College y la Universidad de Princeton, donde obtuvo un PhD. Fue pianista, profesor, mentor, director y compositor tanto de popular teatro musical como de “obra seria”. Candide, una de sus primeras producciones musicales, se basó en la novela de Voltaire.

    La obra de por si no tuvo éxito, pero la obertura ha logrado un lugar perdurable en el repertorio de teatro musical. Elaborada a partir de una colección animada de las melodías más memorables del espectáculo, se ha convertido en una de las obras más interpretadas de un compositor estadounidense en conciertos de sinfónica.

    WOLFGANG AMADEUS MOZART (1756–1791)
    Concierto para oboe en do mayor

    Mozart fue un compositor prolífico e influyente del período Clásico que, a pesar de su corta vida, produjo más de 800 composiciones representando prácticamente todos los géneros clásicos occidentales de su tiempo. Muchas de sus obras son reconocidas como emblemas del repertorio sinfónico, concertante, de cámara, operístico y coral. Sus obras se admiran por su belleza melódica, su elegancia formal y su riqueza armónica y textural.

    Mozart compuso 27 conciertos para piano, incluidos cinco para violín, cuatro para trompa y uno para cada uno de flauta, oboe, clarinete y fagot. Para el oboe escribió el concierto en la tonalidad de do mayor, pero en 1777, al estar desesperado por dinero, transcribió esta pieza a la tonalidad de re mayor para acomodar a un aficionado flautista francés. A mediados del siglo XX, se pensaba que el concierto para oboe se había perdido, hasta que los músicos se dieron cuenta de que ahora se estaba interpretando en la flauta. Los oboístas, por supuesto, se alegraron de reclamar la obra, que fue compuesta cuando Mozart tenía solo veintiún años, pues es una composición agradable y tranquila, en tres movimientos.

    El primer movimiento, Allegro aperto, ofrece una serie atractiva de motivos alegres como introducción a la entrada del oboe, pero Mozart retiene los temas principales del solista y se los da a la orquesta. El oboe solista luego entretiene con una variedad de figuras virtuosas y nos deleita con una cadencia, después de la cual el movimiento avanza rápidamente a través de temas familiares hasta el final.

    El segundo movimiento, Adagio non troppo, es una aria sincera y expresiva en el mejor estilo vocal italiano, y el movimiento final, Rondo: Allegretto, es un encantador rondó con un tema principal burbujeante. Los flautistas han disfrutado de este encantador concierto durante más de un siglo, pero es un placer escucharlo en su forma original: la voz del efervescente, irónico oboe.

    JOHANNES BRAHMS (1833–1897)
    Sinfonía No. 2 en re mayor, Op. 73

    Brahms nació en Hamburgo el 7 de mayo de 1833, en una familia luterana, pero pasó gran parte de su vida profesional en Viena, Austria, donde fue un líder de la escena musical en la segunda mitad del siglo XIX. Compuso para piano, conjuntos de cámara, orquesta sinfónica y para voz y coro. Como pianista virtuoso, estrenó muchas de sus propias obras y trabajó con algunos de los intérpretes más destacados de su tiempo, incluyendo a la pianista Clara Schumann y al violinista Joseph Joachim. La popularidad e influencia de Brahms fueron considerables durante su vida. Tras un comentario del director del siglo XIX Hans von Bülow, a veces se le agrupa con Bach y Beethoven como uno de los “Tres Bs.”

    Brahms tenía solo 44 años cuando escribió su segunda sinfonía, que parece reflejar su estado de ánimo relajado durante el verano de1877. Debido a su naturaleza lírica, a veces se le denomina sinfonía “Pastoral,” en marcado contraste con la tormenta y estrés de su predecesora, la Sinfonía en do menor, compuesta el año anterior.

    No obstante, la sinfonía en re mayor es excepcionalmente intrincada en su propia moda genial.

    El primer movimiento, Allegro non troppo, comienza con los violonchelos y contrabajos entonando un motivo de cuatro notas que regresa en varias formas a lo largo de la sinfonía y forma el núcleo de la pieza. El movimiento también incluye un tema parecido a un vals que recuerda a la conocida canción de cuna por Brahms.

    El segundo movimiento, Adagio non troppo, es una de las creaciones más bellas de Brahms, comenzando con la sección de chelos desarrollando una línea elegante y prolongada. El lirismo continúa con otras melodías igualmente atractivas, y después de un breve desarrollo, el movimiento termina tan tranquilamente y suavemente como el primero.

    El tercer movimiento, Allegretto non troppo, comienza con la presentación de la melodía principal por el oboe, que regresa a lo largo del movimiento, alternando con interludios fugaces. Es el final más alegre entre las cuatro sinfonías de Brahms, ya que irradia energía y optimismo de principio a fin.

2024 October Concert Flyer

Sunday, October 20, 2024 at 3:00 p.m.

Holyoke Community College

Bernstein: Overlude to Candide
Mozart: Oboe Concerto
Jöel Angel Roches, oboe solist
Brahms: Symphony No.2

Stories of Empowerment

  • Location: Holyoke Community College

Stories of Empowerment Program

Concert1

 The Holyoke Civic Symphony

October 19 at 3 p.m.

Stories of Empowerment

Program notes by Jane Rausch

In one of his songs, John Denver observed: “Music makes pictures and often tells stories, all of them magic and all of them true.”  For this afternoon’s concert Maestro Kidwell has chosen to focus on “Stories of Empowerment” by emphasizing strong female characters from fairy tales and literature.

****

Engelbert Humperdinck (1854–1921) Prelude to Hansel and Gretel

German composer Engelbert Humperdinck (not to be confused with the British pop star who borrowed his name in 1965) was an associate of Ricard Wagner.  The opera Hansel and Gretel was written in 1893, and is based on the fairy tale by the Brothers Grimm.  It is still regularly staged in its entirety, but the prelude that we hear today, usually performed as an overture, is even more popular.  It begins with four horns singing the children’s evening prayer, which is soon broken by the trumpets heralding the witch’s spell.

Critics describe the opera (as well as the prelude) as magical, enchanting, and featuring memorable melodies.  They note also that it blends rich orchestration with folk-tune elements creating a family-friendly appeal despite its darker themes of hunger and poverty.

 

Stephen Schwartz (1948–)   Highlights from Wicked

Schwartz wrote the book and music for Broadway musical, Wicked, which premiered in 2003.  The show is a prequel to L. Frank Baum’s The Wizard of Oz, which was published in 1939. The story is told from the perspective of two witches, Elphaba and Galinda, before and after Dorothy Gale’s arrival in Oz (also known as Munchkinland). It explores the complex friendship between Elphaba, who becomes the Wicked Witch of the West, and Galinda, who becomes Glinda the Good. Their relationship is tested by their contrasting personalities, conflicting viewpoints, shared love interests, reactions to the corrupt rule of the Wizard of Oz, and ultimately, Elphaba’s tragic fall.  Highlights from Wicked is  a medley of five songs from the musical including “No One Mourns the Wicked,” “The Wizard and I,” “Dancing Through Life,” “Popular,” and “Defying Gravity.”

 

Nikolai Rimsky-Korsakov  (1844–1908)  Scheherazade, Op. 35

Rimsky-Korsakov’s first career was in the Russian navy, but he won much more success in music, where he is known primarily for writing fifteen operas.  In addition to his fame and influence as a composer, Rimsky-Korsakov was also head of the St. Petersburg Conservatory, and a member of a group of young nationalist composers that included Mily Balakirev, César Cui, Modest Mussorgsy, and Alexander Borodin.  The group’s collective goal was to create a unique style of Russian music that would be different from the music being composed in western Europe. Scheherazade is an excellent example of this “uniquely Russian style.”

Scheherazade, completed in 1888, was inspired by the well-known story, One Thousand and One Arabian Nights, in which the eponymous heroine must entertain her bridegroom, the murderous sultan, with continuous intriguing tales, to forestall the executioner who had beheaded a thousand previous wives the morning after their successive marriages.

While Rimsky-Korsakov disclaimed his reputation for musical Orientalism, his abilities therein created a triumph of exotic atmosphere in Scheherazade.  The work contains four movements whose titles allude to four stories told to the sultan who is represented by the elaborate, highly-figured violin solo that constantly weaves in and out of the texture as the stories unfold, each one representing a movement in the piece: “The Sea and Sinbad’s Ship,” “The Story of the Kalendar Prince,” “The Young Prince and the Young Princess,” and finally “Festival at Baghdad. The Sea. The Ship Breaks against a Cliff Surmounted by a Bronze Horseman.”

 

 

Orquesta Cívica de Holyoke 

19 de octubre a las 3 p.m. 

Historias de Empoderamiento 

Notas al programa por Jane Rausch

En una de sus canciones, John Denver observó: “La música crea imágenes y a menudo cuenta historias, todas ellas mágicas y todas ellas ciertas”. Para el concierto de esta tarde, el Maestro Kidwell ha elegido centrarse en “Historias de Empoderamiento”, destacando a personajes femeninos de cuentos de hadas y de la literatura.

Engelbert Humperdinck (1854–1921) Preludio de Hansel y Gretel

El compositor alemán Engelbert Humperdinck (no debe confundirse con la estrella del pop británico que tomó prestado su nombre en 1965) fue un asociado de Richard Wagner. La ópera Hansel y Gretel fue escrita en 1893 y se basa en el cuento de hadas de los Hermanos Grimm. Todavía se representa regularmente en su totalidad, pero el preludio que escuchamos hoy, usualmente interpretado como obertura, es aún más popular. Comienza con cuatro trompas que entonan la oración vespertina de los niños, la cual es interrumpida pronto por las trompetas que anuncian el hechizo de la bruja.

La crítica describe la ópera (así como el preludio) como mágica, encantadora y con melodías memorables. Señalan también que mezcla una rica orquestación con elementos de melodías folclóricas, creando un atractivo familiar a pesar de sus temas más oscuros de hambre y pobreza.

Stephen Schwartz (1948–) Selecciones de Wicked

Schwartz escribió el libreto y la música para el musical de Broadway, Wicked, que se estrenó en 2003. El espectáculo es una precuela de El Mago de Oz de L. Frank Baum, publicado en 1939. La historia se cuenta desde la perspectiva de dos brujas, Elphaba y Galinda, antes y después de la llegada de Dorothy Gale a Oz (también conocido como Munchkinland). Explora la compleja amistad entre Elphaba, que se convierte en la Bruja Malvada del Oeste, y Galinda, que se convierte en Glinda la Buena. Su relación se pone a prueba por sus personalidades contrastantes, puntos de vista conflictivos, intereses amorosos compartidos, reacciones al gobierno corrupto del Mago de Oz y, en última instancia, la trágica caída de Elphaba. “Selecciones de Wicked” es un popurrí de cinco canciones del musical que incluye “No One Mourns the Wicked” (“Nadie llora a los malvados”), “The Wizard and I” (“El Mago y yo”), “Dancing Through Life” (“Bailando por la vida”), “Popular” y “Defying Gravity” (“Desafiando la gravedad”).

Nikolai Rimsky-Korsakov (1844–1908) Scheherazade, Op. 35

La primera carrera de Rimsky-Korsakov fue en la marina rusa, pero obtuvo mucho más éxito en la música, donde es conocido principalmente por escribir quince óperas. Además de su fama e influencia como compositor, Rimsky-Korsakov también fue director del Conservatorio de San Petersburgo y miembro de un grupo de jóvenes compositores nacionalistas que incluía a Mily Balakirev, César Cui, Modest Mussorgsky y Alexander Borodin. El objetivo colectivo del grupo fue crear un estilo único de música rusa que fuera diferente de la música que se componía en Europa occidental. Scheherazade es un excelente ejemplo de este “estilo únicamente ruso”.

Scheherazade, completada en 1888, se inspiró en la conocida historia de Las mil y una noches, en la que la heroína epónima debe entretener a su esposo, el sultán asesino, con continuos e intrigantes relatos para evitar al verdugo que había decapitado a mil esposas anteriores la mañana siguiente a sus sucesivos matrimonios.

Aunque Rimsky-Korsakov renegó de su reputación de orientalismo musical, sus habilidades en ese campo crearon un triunfo de atmósfera exótica en Scheherazade. La obra contiene cuatro movimientos cuyos títulos aluden a cuatro historias contadas al sultán, quien es representado por el elaborado y muy ornamentado solo de violín que se entrelaza constantemente en la textura mientras se desarrollan las historias, cada una representando un movimiento de la pieza: “El mar y el barco de Simbad”, “La historia del príncipe Kalendar”, “El joven príncipe y la joven princesa” y, finalmente, “Festival en Bagdad. El mar. El barco se estrella contra un acantilado coronado por un jinete de bronce”.

More Articles …