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Tea and Trumpets

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  • Minute with the Maestro: Minute with the Maestro
  • Location: Holyoke Community College
  • Author: Jane Rausch
  • Program Notes:

    Our concert today highlights the trumpet, the ubiquitous and undoubtedly the oldest member of the brass menagerie. By 1500 BC individuals were crafting trumpets in Africa, Europe, and Asia from sheets of silver and bronze metal. While some of these were ceremonial, their intended purpose was mostly wartime signaling, warning sound and religious ceremonies. By the end of the Middle Ages, players began to use the trumpet to make music, but their options were limited because the horns at that time were limited to one primary tone and that tone’s related harmonic series. To change keys, the player had to select a different trumpet.

    It was not until 1818 that Heinrich David Stolzel created the first working brass instrument valve and the modern valve trumpet was born. Once perfected, this invention allowed almost perfect intonation across the full range of the instrument. By the twentieth century this valve trumpet had crossed into every corner of music: classical, jazz, rock, and blues. Sheldon Ross, this afternoon’s soloist, will use a trumpet pitched in B-flat which typically has a darker sound, whereas the C trumpet, which is shorter in length, has a somewhat brighter timbre.

    Quinn Mason (b.1996), a composer and conductor based in Dallas, Texas, is one of the most sought-after young composers in the US. Several major orchestras have performed his compositions. Concerning his Inspiration! Festive Overture, which we will hear today, Mason states that the piece is dedicated to the power of inspiration and the will to inspire. The composition begins with a flourish—much like the spark of an idea—and erupts into joyous interplay from all sections of the orchestra. The middle segment is more a reflection of the first section, soulful and profound in nature. The rest of the piece is in high spirits, inspired by that which came before it.

    Vincent Persichetti (1915—1985), born in Philadelphia, Pennsylvania, was a child prodigy. He enrolled in the Combs College of Music at the age of five where he studied piano, organ, double bass, composition, and music theory. At age 14 he was publicly performing his original works. While still a student in 1941, he headed the theory and composition departments and the department of postgraduate study at the Philadelphia Conservatory.

    Persichetti published The Hollow Men for solo trumpet and string orchestra in 1948. The work was inspired by T.S. Eliot’s poem of the same name which begins:

    We are the hollow men
    We are the stuffed men
    Leaning together
    Headpiece filled with straw.
    Alas! Our dried voices, when
    We whisper together are quiet and meaningless.
    As wind in dry grass
    Or rats feet over broken glass
    In our dry cellar

    Ross adds that the poem “contains complex literary references, and the spirit of despair, post WWI. It explores conflicted but ultimately impotent yearning of men (humans)…and reflects the “growing dark mood and exploration of 20th century existentialism in philosophy and art. Persichetti’s music brilliantly portrays the poem’s essence, and he chose the trumpet as solo instrument for its expansive capacity, for expression, range, and wide contrast of dynamics.”

    Eliot’s haunting lines resonate strongly in the work which opens in an introspective mood. The strings, high and ethereal, float above the opening melody from the trumpet. The solo line is best described as wandering, or questioning, with just a hint of sorrow and despair. The first interlude of the strings is severe and percussive with unexpected rhythmic twists. A second interlude in the strings, however, is more ponderous and subdued. When the trumpet enters again, it takes on its original questioning mood. The alternation of nervous and calm moods is appropriate to the tone of both quiet resignation and severity in Eliot’s poem.

    After this point the piece builds to its zenith, the highlight of which is an interesting use of sonorities in the string accompaniment. Wildly leaping block chords punctuate the climax, which is followed by another string interlude while a determined bass line restores calm. The contemplative tone of the work’s opening passages returns to produce an effective denouement that ceases, appropriately, “not with a bang, but with a whimper.”

    Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840—1893) was the most prominent Russian composer of the Romantic Movement. His works, which include symphonies, concertos, operas, and ballets, are among the most popular music in the Classical repertoire, and he was the first Russian composer whose music made a lasting impression internationally.

    Born on May 7,1840 in Votkinsk, Tchaikovsky was the son of a successful engineer. Although musically precocious as a young boy, he was not a child prodigy. He attended law school in St. Petersburg in preparation for a career as a civil servant, but with the opening of the Saint Petersburg Conservatory, he abandoned his hated job as a bureau clerk to immerse himself in the study of music. After graduating in 1865, he began producing the lush melodies that have enamored listeners for over a century.

    Many people acquainted with Tchaikovsky were struck by his intelligence, culture, charm, and humanity, but beneath that façade he was bedeviled by a sting of neurotic problems: periods of depression, imagined ailments, loss of confidence, fits of uncontrollable weeping and episodes of nervous breakdown. A continuing issue was his homosexuality, viewed as a crime in the very conservative Czarist Russia of his day, and his attempt at marriage with one of his students proved to be a disastrous affair.

    Symphony No. 6 in B minor, Op. 74, also known as Pathétique Symphony, was Tchaikovsky’s final completed symphony and was written between February and the end of August 1893. The com- poser led the first performance in Saint Petersburg on October 28, 1893, nine days before his death.

    The first movement, Adagio-Allegro non troppo begins with a dark and forbidding bassoon solo, the primary theme. After the slow Adagio the strings burst in with an agitated restatement of the bassoon solo, followed by a contrasting theme full of melancholic nostalgia. The movement descends into chaos as the themes are developed, ripped apart, and tossed about in a tempest of sound. A solemn brass chorale with pizzicato string accompaniment draws the movement to a close.

    In the Allegro con grazia, Tchaikovsky presents a graceful waltz in the unusual meter 5/4 which sweeps through the strings like a gentle wind. Although the overall mood of this movement is lighter than that of the first, it contains a strong sense of sadness and hints of romantic despair. The vigorous march of the third movement, Allegro molto vivace, offsets the melancholy of the first two movements but it soon succumbs to its own beautifully crafted fatalism, laden with pain and lamentation. A blast from the brasses interrupts the strings, after which they continue on their mournful way to a subdued conclusion, in which there is no hint of a happy ending.

    Although the first performance of his sixth symphony was not a success, just days after Tchaikovsky’s death, days later, it was hailed a symphonic masterpiece.

  • Author (2): Notas del programa por Jane Rausch, traducido por Eugenio Figueroa
  • Program Notes (2):

    “La Colección Musical de Metales”

    Te y Trompetas

    Nuestro concierto de hoy destaca la trompeta, el omnipresente y sin duda el miembro más antiguo de la colección de metales.

    Hacia el año 1500 a. C., personas fabricaban trompetas en África, Europa y Asia a partir de láminas de metal de plata y bronce. Si bien algunos de estos eran de uso ceremoniales, su propósito previsto era principalmente dar señales de guerra, sonidos de advertencia y ceremonias religiosas. A finales de la Edad Media, los músicos comenzaron a utilizar la trompeta para hacer música, pero sus opciones eran limitadas porque los instrumentos de trompeta en aquel momento estaban limitados a una tonalidad y su serie harmónica. Para cambiar de tonalidad, el intérprete tenía que seleccionar una trompeta diferente.

    No fue hasta 1818 que Heinrich David Stolzel creó el primer instrumento de metal con válvulas y nació la trompeta moderna de válvula. Una vez perfeccionado, este invento permitió una afinación casi perfecta en todo el registro del instrumento. Ya para el siglo XX, esta trompeta de válvulas había llegado a todos los rincones de la música: clásica, jazz, rock y blues. Sheldon Ross, el solista de esta tarde, utilizará una trompeta en si bemol que típica- mente tiene un sonido más oscuro, mientras que la trompeta en do, que es más corta de longitud, tiene un timbre algo más brillante.

    Quinn Mason (n. 1996), compositor y director establecido en Dallas, Texas, es uno de los compositores jóvenes más solicitados de Estados Unidos. Varias principales orquestas han interpretado sus composiciones. Sobre su Inspiration! Festive Overture (Inspiración! Obertura Festiva), que escucharemos hoy, Mason afirma que la pieza está dedicada al poder de inspiración y voluntad de inspirar. La composición comienza con una floritura – muy parecida a la chispa de una idea – y estalla en una alegre interacción de todas las secciones de la orquesta. El segmento medio es más un reflejo de la primera sección, conmovedor y de naturaleza profunda. El resto de la pieza es de optimismo, inspirada por lo que la precedió.

    Vincent Persichetti (1915-1985), nacido en Filadelfia, Pensilvania, fue un niño prodigio. Se matriculó en el Combs College of Music a la edad de cinco años, donde estudió piano, órgano, contrabajo, composición y teoría musical. A los 14 años ya interpretaba públicamente sus obras originales. Cuando todavía era estudiante en 1941, dirigió los departamentos de teoría y composición y el departamento de estudios de posgrado del Conservatorio de Filadelfia.

    Persichetti publicó The Hollow Men para trompeta solista y orquesta de cuerdas en 1948. La obra fue inspirada por el poema de T.S. Eliot del mismo nombre el cual comienza:

    Somos los hombres huecos
    Somos los hombres disecados
    Inclinados juntos
    Tocado relleno de paja.
    ¡Pobre de mí! Nuestras voces secas, cuando
    Nuestros Susurramos son silenciosos y sin importancia.
    Como viento en la grama seca
    O patas de rata sobre vidrios rotos
    En nuestro sótano seco

    Ross añade que el poema “contiene referencias literarias complejas y el espíritu de desesperación posterior a la Primera Guerra Mundial. Explora el anhelo conflictivo pero en última instancia impotente de los hombres (humanos)... y refleja el “creciente estado de ánimo oscuro y la exploración del existencialismo del siglo XX en la filosofía y el arte. La música de Persichetti retrata brillantemente la esencia del poema, y eligió la trompeta como instrumento solista por su extensa capacidad, para expresión, registro y amplio contraste de dinámicas.

    Las inolvidables líneas de Eliot resuenan fuertemente en la obra que comienza en un estado de ánimo introspectivo. Las cuerdas, agudas y etéreas, flotan sobre la melodía inicial de la trompeta. La línea solista se describe mejor como vagando, o un cuestionamiento, con sólo una pizca de tristeza y desesperación. El primer interludio de las cuerdas es severo y percusivo con giros rítmicos inesperados.

    Un segundo interludio en las cuerdas, sin embargo, es más pesado y tenue. Cuando la trompeta vuelve a entrar, adquiere su estado de ánimo interrogativo original. Esta alternancia de estados de ánimo nerviosos y tranquilos es apropiada para el tono de tranquila resignación y severidad del poema de Eliot.

    Después de este punto, la pieza alcanza su cenit, cuyo punto culminante es un interesante uso de sonoridades en el acompañamiento de cuerdas. Acordes saltan salvajemente marcando el clímax, al que sigue otro interludio de cuerdas mientras una línea de bajo decidido restaura la calma. El tono contemplativo de los pasajes iniciales de la obra vuelve a producir un desenlace efectivo que cesa, apropiadamente, “no con un estallido, sino con un quejido”.

    Pyotr Ilyich Tchaikovsky (1840-1893) fue el compositor ruso más destacado del movimiento romántico. Sus obras, que incluyen sinfonías, conciertos, óperas y ballets, se encuentran entre la música más popular del repertorio clásico y fue el primer compositor ruso cuya música causó una impresión duradera a nivel internacional.

    Nacido el 7 de mayo de 1840 en Votkinsk, Tchaikovsky era hijo de un ingeniero exitoso. Aunque musicalmente precoz cuando era niño, no fue un niño prodigio. Asistió a la facultad de derecho en San Petersburgo como preparación para una carrera como funcionario público, pero con la apertura del Conservatorio de San Petersburgo, abandonó su odiado trabajo como empleado de oficina para sumergirse en el estudio de la música. Después de graduarse en 1865, comenzó a producir las exuberantes melodías que han cautivado a los oyentes por más de un siglo.

    Muchas personas que conocían a Tchaikovsky quedaron impresionadas por su inteligencia, cultura, encanto y humanidad, pero bajo esa fachada estaba atormentado por una punzada de problemas neuróticos: períodos de depresión, dolencias imaginarias, pérdida de confianza, ataques de llanto incontrolable y episodios de ataque de nervios. Un conflicto continuo fue su homosexualidad, visto como un crimen en la muy conservadora Rusia zarista de su época, y su intento de casarse con uno de sus estudiantes resultó ser un asunto desastroso.

    El primer movimiento, Adagio-Allegro non troppo, comienza con un solo de fagot oscuro e imponente, el tema principal. Después del lento Adagio, las cuerdas irrumpieron con una agitada repetición del solo de fagot, seguida de un tema contrastante lleno de nostalgia melancólica. El movimiento desciende al caos a medida que los temas se desarrollan, se deconstruyen y se agitan en una tempestad de sonido. Un solemne coral de metales con acompañamiento de cuerdas en pizzicato cierra el movimiento.

    En Allegro con grazia, Tchaikovsky presenta un elegante vals en la inusual métrica 5/4 que recorre las cuerdas como un suave birsa. Aunque el estado de ánimo general de este movimiento es más ligero que el del primero, contiene un fuerte sentimiento de tristeza y pistas de desesperación romántica.

    La vigorosa marcha del tercer movimiento, Allegro molto vivace, contrarresta la melancolía de los dos primeros movimientos, pero pronto sucumbe a su propio estilo bellamente elaborado fatalismo, cargado de dolor y lamento. Una explosión de metales interrumpe las cuerdas, tras lo cual continúan su lúgubre camino hasta un final apagado, en el que no hay pistas de final feliz.

    Es interesante observar que aunque la primera interpretación de su sexta sinfonía no fue un éxito, después de su segunda interpretación, pocos días después de la muerte de Tchaikovsky, fue aclamada como una obra maestra sinfónica.

2024 March Concert Poster

Sunday, March 10, 2024 at 3:00 p.m.

Holyoke Community College

Sheldon Ross: Trumpet
Vincent Persichetti's “The Hollow Man”
Quinn Mason's “Inspiration! Festive Overture”
Tchaikovsky's “Pathétique Symphony”

'Bone Appetit

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  • Minute with the Maestro: Minute with the Maestro
  • Location: Holyoke Community College
  • Author: Jane Rausch
  • Program Notes:

    Our concert today highlights the trombone, the instrument that Hector Berlioz once stated was the “true head of the family of brasses because it possesses nobility and grandeur: it has all the serious and powerful tones of sublime musical poetry, from religious, calm and imposing accents to savage orgiastic outburst.”

    Although during the Renaissance, the English term for the instrument was “sackbut,” it was the Italian word tromba or trombone that has survived in modern times. Trombones are very versatile for they are regularly included in orchestras, bands, jazz, and even chamber music. Certainly, they are easily recognizable by their long slides, but since the mid-19th century, valve trombones are also popular.

    Today’s soloist, Matthew Russo, agrees that the trombone has had a special history in Western music. “In the Renaissance, it was unique in its ability to perform with loud and quiet outdoor and indoor instrumental ensembles, and it could even serve as a replacement for voices in choirs. In Baroque opera, trombones became the bringer of hell or heaven depending on one’s mood. The instrument remained relevant because of its simple ability to change pitches chromatically; a feat that its cousins, the horn and trumpet, would struggle to do until the nineteenth century.”

    Russo notes that he started playing trombone in his high school jazz band. By the time he enrolled in college he had realized the incredible versatility of the instrument that is displayed by one of his favorite works – the Grondahl Concerto, which we will hear today.

    He explains, “My goal is to demonstrate the vast color palette of the trombone, and that someone in the audience will say, ‘Wow, I never knew the trombone could do that.’”

    Camille Saint-Saëns (1835-1921), a French pianist and organist, was one of the greatest composers of his day. Although he was often ill with complications from tuberculosis, he was a brilliant student at the Paris Conservatoire and made friends with many fellow composers. He wrote 13 operas, but only Samson et Delila, premiered in 1877, is regularly performed. The opera is a dazzling virtuoso vehicle for the two leads – Samson, the heroic Hebraic strongman, and his enticing lover/betrayer, Delilah, who cuts off his hair that embodied his strength. The famous Danse Bacchanale depicts the revelry in the temple of the Philistine god, Dogon, before Samson, now blinded, is brought to the temple and chained to its pillars. Samson prays to God to restore his strength, and he pulls down the central columns of the temple, killing himself and all of the Philistines inside.

    The Bacchanale, an orgiastic, percussion-driven dance, precedes Samson’s destruction of the temple. Serpentine melodies, emphatic timpani, and overall exoticism engage the senses in a kaleidoscopic aural feast. Listen for the opening oboe solo and the horns and trombones at the end!

    Allen Molineux (May 6, 1950) received his B.M. degree from DePauw University, his M.M. degree from Eastman School of Music, and a D.M. in composition from Florida State University. Before he retired in 2009, he was a full-time professor of music and department chair at Claflin University in Orangeburg, South Carolina. He has graciously submitted the following description for his composition, Zapateado, that won the 2024 HCS Composition Competition.

    A zapateado is a Spanish dance which involves the stamping of feet; sometimes using syncopation or different rhythms than that of the melody or accompaniment. Instead of the orchestra players being required to stamp their feet (something other composers have done), the parts themselves display such rhythmic interaction. In addition, the percussionists supply, at times, a Spanish timbre via castanets and tambourine, and although the Harvard Dictionary of Music states that a zapeado is in triple time, the most well-known examples by Pablo de Sarsate and Joaquin Rodrigo are in duple meter and so, this composer has utilized the same.

    Launy Grondahl (1886-1960) was a Danish composer and conductor of the Danish Radio Orchestra between 1925 and 1956. He composed his Concerto for Trombone and Orchestra in 1925 at the request of Wilhelm Aarkrogh, a trombonist in the Kopenhalg Royal Orchestra. Although Grondahl is not well known in the U.S., he was an important musical figure in his native Denmark and was a major interpreter of the music written by Carl Nielsen.

    A typical late romantic piece, the concerto is divided into three movements. The first, Moderato assai ma molto maestoso begins with a very strong, magnificent, rhythmical and clear theme. The second theme is a complete contrast that allows the performer to play softly and rubato in the high octave.

    The second movement, Quasi una Leggenda also has two themes, both slower and softer. The third movement or Finale is the most difficult. It recalls the first movement’s theme and then allows the perfomer a choice to play the next theme in high or low octave of E-flat. In the final theme, there is a C note at high octave in four measures. That must be played fortissimo and stringendo to allows the concerto to end in brilliant character.

    Igor Stravinsky (1882-1971) was a Russian composer and conductor who obtained French citizenship after 1934, and switched to U.S. citizenship in 1945. He is widely considered one of the most influential composers of the 20th century and a pivotal figure in modernist music Although as a child he studied piano and music theory, his first interest was in law. In 1901 he enrolled at the University of Saint Petersburg where he met Nikolai Rimsky-Korsakov and studied music under him until 1908. In that year he met Sergei Diaghilev, an impresario who promoted Russian ballets and music in Paris and other European countries. Diaghilev was impressed by Stravinsky’s early compositions and commissioned him to write three ballets: The Firebird (1910), Petruska (1911), and The Rite of Spring (1913).

    Diaghilev gave Stravinsky a scenario for The Firebird (devised by Michel Fokine, the ballet’s choreographer). The Firebird tells of the downfall of a powerful, ogre-like figure, Kastchei the Deathless through the intervention of a beautiful, rare bird – the enchanting character of the title. The miraculous Firebird is so called on account of her beautiful feathers, which glitter and flicker like flames. Kastchei is in the habit of seizing pretty, young princesses as captives, while turning the knights who arrive to rescue them into stone.

    Crown Prince Ivan, the protagonist, enlists the Firebird’s help to destroy Kastchei and free his victims. The Firebird’s score blends the orchestral wizardry Stravinsky had learned as a student of Riimsky-Korsakov with the vitality of Russian folk music to yield a dazzling evocative atmosphere.

    Throughout his career, Stravinsky remained especially fond of The Firebird, returning to create three different concert versions. The most popular version is the second one introduced in 1919, which we play today. It uses less than half of the original ballet score and simplifies some of its orchestration, as its musical language shifts between exotic, chromatic gestures to illustrate the supernatural dimension and the singsong simplicity of folk song for the mortals.

    The suite opens low in the strings with a spooky conjuring of Kastchei’s magical realm. In his illusory garden, Prince Ivan encounters the Firebird, which is depicted with opulent colors and radiant trills. A calmly pastoral section follows, featuring Stravinsky’s already characteristically imaginative scoring for woodwinds. Prince Ivan observes the princesses who have been captured by Kastchei and falls in love with the one destined to be his bride.

    To protect Ivan, the Firebird casts a spell over Kastchei and his monstrous aides. Whipped into motion by Stravinsky’s frenetic rhythms, they are compelled to dance themselves to exhaustion in a savage “Infernal Dance.”

  • Author (2): Notas del programa por Jane Rausch, traducido por Eugenio Figueroa
  • Program Notes (2):

    “La Colección Musical de Metales”

    ¡Bon Appetit!

    Nuestro concierto de hoy destaca el trombón, el instrumento que Héctor Berlioz afirmó una vez que era el “verdadero cabeza de familia de los metales porque posee nobleza y grandeza: tiene todas los tonos serios y poderosos de sublime poesía musical, desde religiosos, tranquilos e imponentes hasta salvajes arranques orgiásticos”.

    Aunque durante el Renacimiento el término inglés para el instrumento era “sacabuche”, en italiano era tromba o trombón que ha sobrevivido en los tiempos modernos. Los trombones son muy versátiles porque se les incluye regularmente en orquestas, bandas, jazz e incluso música de cámara. Sin duda, son fácilmente reconocibles por su diapositivas largas, pero desde mediados del siglo XIX, los trombones de válvulas son también popular.

    El solista de hoy, Matthew Russo, coincide en que el trombón ha tenido una historia especial en la música occidental. “En el Renacimiento, era único en su capacidad para ejecutar fuerte y silencioso con conjuntos instrumentales de interior y exterior, e incluso podría servir como reemplazo de voces en coros. En la ópera barroca, los trombones se convirtieron en el portador del infierno o del cielo dependiendo del estado de ánimo. El instrumento siguió siendo relevante debido a su simple capacidad de cambiar los tonos cromáticamente; una hazaña que sus primos, el cuerno y la trompeta, lucharían aun por hacerlo hasta el siglo XIX”.

    Russo señala que empezó a tocar el trombón en la banda de jazz de su escuela secundaria. Cuando se matriculó en la universidad se había dado cuenta de la increíble versatilidad del instrumento que muestra uno de sus obras favoritas – el Concierto de Grondahl, que escucharemos hoy. Él explica: “Mi objetivo es demostrar la amplia paleta de colores del trombón, y que alguien en la audiencia diga: ′Vaya, nunca he Sabía que el trombón podía hacer eso’”.

    Camille Saint-Saëns (1835-1921), pianista y organista frances, fue una de las más grandes compositores de su época. Aunquea menudo padecía complicaciones de tuberculosis, fue un brillante estudiante en el Conservatorio de París e hizo amistad con muchos compañeros compositores. Escribió 13 óperas, pero sólo Sansón y Delila, estrenada en 1877, se presenta regularmente. La ópera es un deslumbrante vehículo virtuoso para los dos protagonistas: Sansón, el heroico hombre fuerte hebraico, y su seductora amante y traidora, Dalila, quien le corta el cabello que encarna su fuerza. La famosa Danse Bacchanale describe la juerga en el templo del dios filisteo, Dogon, antes de que Sansón, ahora cegado, sea traido al templo y encadenado a sus pilares. Sansón ora a Dios para que le devuelva las fuerzas y derriba las columnas centrales del templo, matándose a sí mismo y a todos los filisteos que se encuentran dentro.

    La bacanal, una danza orgiástica impulsada por percusión, precede a la destrucción del templo por parte de Sansón. Melodías serpentinas, timbales enfáticos y exotismo general involucran los sentidos en un festín auditivo caleidoscópico. ¡Escuche el solo de oboe inicial y los vientos y trombones al final!

    Allen Molineux (6 de mayo de 1950) recibió su bachillerato en la Universidad DePauw, su maestría en la Eastman School of Music y un doctorado en composición en Florida State University. Antes de jubilarse en 2009, fue profesor de música a tiempo completo y jefe de departamento de la Universidad Claflin en Orangeburg, Carolina del Sur. El ha presentado amablemente la siguiente descripción por su composición, Zapateado, que en el 2024 ganó la competencia de composición de la HCS.

    Un zapateado es un baile español que consiste en marcados de pies; a veces usando síncopa o diferentes ritmos que el de la melodía o el acompañamiento. En vez de que los músicos de orquesta golpeen con el pie (cosa que otros compositores han hecho), las partes mismas mostrar tal interacción rítmica. En adición, los per- cusionistas aportan, por momentos, un timbre español a través de castañuelas y pandereta, y aunque el Diccionario de Música de Harvard afirma que un zapeado es en tiempo triple, los más conocido ejemplos de Pablo de Sarsate y Joaquín Rodrigo están en metro doble y por eso, este compositor ha utilizado el mismo.

    Launy Grondahl (1886-1960) fue un compositor danés y director de la Orquesta de la Radio Danesa entre 1925 y 1956. Compuso su Concierto para trombón y orquesta en 1925 a petición de Wilhelm Aarkrogh, un trombonista de la Orquesta Real de Kopenhalg. Aunque Grondahl no es muy conocido en Estados Unidos, fue una figura musical importante en su Dinamarca natal y fue un importante intérprete de la música escrita por Carl Nielsen.

    Una pieza típica del romanticismo tardío, el concierto se divide en tres movimientos. El primero, Moderato assai ma molto maestoso comienza con un tema muy fuerte, magnífico, rítmico y claro. El segundo tema es un contraste total que permite al intérprete tocar suavemente y rubato en la octava aguda.

    El segundo movimiento, Quasi una Leggenda, también tiene dos temas ambas lento y más suave. El tercer movimiento o Finale es el más difícil. Recuerda el tema del primer movimiento y luego permite que el intérprete la opción de tocar el siguiente tema en una octava aguda o baja de Mi bemol. En el tema final, hay una nota C en la octava aguda en cuatro compases. Eso debe tocarse fortissimo y stringendo para permitir el concierto termine con un carácter brillante.

    Igor Stravinsky (1882-1971) fue un compositor y director de orquesta ruso que obtuvo la ciudadanía francesa después de 1934 y cambió a la ciudadanía estadounidense en 1945. Es ampliamente considerado uno de los compositores más influyentes del siglo XX y una figura esencial en la música modernista. Aunque de niño estudió piano y Teoría musical, su primer interés fue el derecho. En 1901 se matriculó en la Universidad de San Petersburgo, donde conoció a Nikolai Rimsky-Korsakov y estudió música con él hasta 1908. En ese año conoció a Sergei Diaghilev, un empresario que promovía los ballets rusos y música en París y otros países europeos. Diághilev fue impresionado por las primeras composiciones de Stravinski y encargado le llevó a escribir tres ballets: El pájaro de fuego (1910), Petruska (1911) y El rito de la primavera (1913).

    Diaghilev le dio a Stravinsky un escenario para El pájaro de fuego (ideado por Michel Fokine, coreógrafo del ballet). El pájaro de fuego habla de la caída de una poderosa figura parecida a un ogro, Kast- chei el Inmortal a través de la intervención de un pájaro hermoso y raro: el encantador carácter del título de la obra. El milagroso Pájaro de Fuego recibe su nombre por sus hermosas plumas, que brillan y parpadean como llamas. Kastchei tiene la costumbre de apoderarse de bonitas, princesas jóvenes como cautivas mientras convierte en piedra a los caballeros que llegan a rescatarlas. El príncipe heredero Iván, el protagonista, recluta al pájaro de fuego. ayuda a destruir a Kastchei y liberar a sus víctimas. La orquestación del pájaro de fuego combina la magia orquestal que Stravinsky había aprendido cuando era estudiante de Riimsky-Korsakov con la vitalidad de la música folclórica rusa para lograr una atmósfera deslumbrante y evocadora.

    A lo largo de su carrera, Stravinsky mantuvo un especial cariño por El Pájaro de Fuego, retornando para crear tres distintas versiones de concierto. La versión más popular es la segunda introducida en 1919, cual ejecutaremos hoy. Utiliza menos de la mitad de la partitura de ballet original y simplifica parte de su orquestación, ya que su lenguaje musical intercambia entre exotismo, gestos cromáticos para ilustrar la dimensión sobrenatural y el sonsonete simple de las canciones folclóricas para los mortales.

    La suite se abre bajo en las cuerdas con un espeluznante conjuro del reino mágico de Kastchei. En su jardín ilusorio, el príncipe Iván se encuentra con el pájaro de fuego, que está representado con col- ores opulentos y trinos radiantes. Sigue una sección tranquilamente pastoral, que presenta la ya característicamente imaginativa partitura de Stravin Sky para instrumentos de vientos madera. El Príncipe Iván observa a las princesas que han sido capturadas por Kastchei y se enamora de la que está destinada a ser su esposa. Para proteger a Ivan, el pájaro de fuego lanza un hechizo sobre Kastchei y su monstruosos ayudantes. Impulsado por el frenético ritmo de Stravinsky. ritmos, se ven obligados a bailar hasta el cansancio en una salvaje “Danza Infernal”.

2024 May Concert Poster

Sunday, May 5, 2024 at 3:00 p.m.

Holyoke Community College

Matthew Russo, Trombone
Launy Grondahl’s “Trombone Concerto”
Igor Stravinksky’s “The Firebird”

HCS Composition Competition Winner
Alain Molineux “Zapateado”

Tuba Diving

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  • Minute with the Maestro: Minute with the Maestro
  • Location: Holyoke Community College
  • Author: Jane Rausch
  • Program Notes:

    On April 6, 1873, the city of Holyoke was incorporated as a municipality. The HCS is proud to participate in the celebration of its 150th anniversary with a special 2023-24 concert season that Maestro Kidwell has entitled “The Brass Menagerie” – a clever appropriation of the title of Tennessee Williams’ well-known play, “The Glass Menagerie.” It seems that the word “menagerie” can allude not just to a zoological garden, but may also indicate a travel guidebook, a wall painting, or even a nursery school. For this year’s concert season, the term “menagerie” will embrace the four types of instruments that comprise our orchestra’s brass section. Thus, today’s concert highlights an often-overlooked but essential brass component – the tuba.

    MARK ZUCKERMAN is a contemporary American composer who began his formal music studies at Juilliard and continued them at the University of Michigan, Bard College, and Princeton University where he earned a PhD. Although at first, he wrote exclusively twelve-tone music, he soon discovered that he could express himself in a new musical language that used many sonorities woven into a structure found in atonal and twelve-tone music. Zuckerman has written for solo instruments, bands, and orchestras, but perhaps his most acclaimed composition was his internationally recognized twenty arrangements of Yiddish songs for a cappella chorus.

    Zuckerman originally composed Civic Celebration in 2016 as a tribute to the HCS on its 50th anniversary, but its performance is equally appropriate to celebrate the 150th anniversary of Holyoke. It has a kind of exuberant nobility, befitting both the occasion and spirit with which the city as well as the HCS and its director have pursued their respective missions. Civic Celebration gives everyone in the orchestra something important to contribute; even instruments not normally in the forefront, like piccolo and triangle, play crucial roles. The piece begins and ends with a fanfare. In between there are two themes – both based on the fanfare – which are explored sequentially and then combined.

    BRUCE BROUGHTON has enjoyed a successful career as a composer of concert, film, and TV music. In addition to winning ten Emmy Awards, he has been nominated for a Grammy for composing the music for Young Sherlock Holmes and for an Academy Award for his work on Lawrence Kasdan’s hit western Silverado. Broughton originally composed his Concerto for Tuba as a sonata for tuba and piano in 1978. His goal was to produce a piece that presented the Tuba as an agile melodic instrument that was entertaining to listen to and fun to play. To facilitate public performances of the work, he wrote two other versions, one as a concerto with orchestral winds and one that we hear today with full orchestra. The result is one of the major compositions for the tuba written within the last fifty years.

    The piece lasts just 12 minutes and is composed in simple classical form. The first movement, Allegro moderato, follows the sonata-allegro form; the second movement, Andante moderato (named Aria) is a song ABA form, and the last movement, Allegro leggiero, is a rondo. Broughton has refrained from including flashy solo passages or cadenzas, but instead has artfully incorporated technique to serve the music. Each of the three movements explores a different facet of the tuba from technical challenges of speed and dexterity to melodious passages in the upper register that test the virtuosity of the performer. As he has stated in his own program notes, the Concerto for Tuba is designed to entertain the audience and should be performed with that goal in mind.

    JOHANNES BRAHMS was born in Hamburg on May 7, 1833 into a Lutheran family; he spent much of his professional life in Vienna, Austria, where he was a leader of the musical scene in the second half of the nineteenth century. He composed for piano, chamber ensembles, symphony orchestra, and for voice and chorus. A virtuoso pianist, he premiered many of his own works, and he worked with some of the leading performers of his time, including pianist Clara Schumann and violinist Joseph Joachim. Brahms’s popularity and influence were considerable during his lifetime. Following a comment by the nineteenth-century conductor Hans von Bülow, he is sometimes grouped with Bach and Beethoven as one of the “Three Bs.”

    Although Brahms was just 50 when he wrote his Third Symphony, he looked back to younger days with the musical quotation of the motto Frei aber froh (“Free but happy”) which was his defiant response to Joseph Joachim’s Frei aber einsam (“Free but lonely.”) The shortest of his four symphonies, No. 3 is a concert hall favorite, mapped out into four movements. The first, Allegro con brio, opens with two chords: F-A-F) – a motif that develops throughout the   movement. This movement goes through many twists and turns, but the musical foundation is always at the forefront. A dance-like section takes over, and the strings and winds are call and response to one another. The use of brass on the more fanfare-like section makes a fruitful effect within the orchestra, and the lead-up to the end of the movement is very exciting.

    The second movement in C major Andante – begins with a choralelike motif from the upper winds which is interjected by the strings, with the winds returning and leading this section boldly. There are also feelings of nostalgia and the clarinet takes some wonderful solo lines throughout the movement.

    The third movement – Poco allegrettoshifts in tonality to C minor and the mixture of pizzicato and arco strings creates a wonderful timbre that builds to a delicate close at the end of the movement.

    The final movement – Allegro-Un poco sostenuto – returns to highlight the F-A-F motif. There are many changes in mood with the tonality shifting between major and minor. A feverish string texture leads not to the triumphant ending expected, but to a peaceful resolution. This manner of ending the symphony was virtually unknown in the Romantic era, but it allows the music to unwind and recall the memory of the symphony’s opening.

  • Author (2): Notas del programa por Jane Rausch, traducido por Eugenio Figueroa
  • Program Notes (2):

    “La Colección Musical de Metales”

    Sumergimiento de Tuba

    En el 6 de abril del 1873, la ciudad de Holyoke fue incorporada como una municipalidad. La HCS se enorgullece de participar en la celebración del Aniversario centésimo quincuagésimo (150) con una temporada especial 2023-24 que el Maestro Kidwell a titulado “The Brass Menagerie” (“La Colección Musical de Metales”) - una apropiación astuta del título de la reconocida obra de Tennessee Williams, “The Glass Managerie”. Parece que la palabra “menagerie” no solamente puede aludir a un jardín de zoológico, pero también puede indicar una guía de viaje, una pintura, o incluso una guardería. Para esta temporada, el término “menagerie” (colección musical) abarca los cuatro tipos de instrumentos que componen la sección de metales de nuestra orquesta. Por ende, el concierto de hoy se enfocará en un instrumento usualmente ignorado pero un componente esencial en los metales, la tuba.

    Mark Zuckerman es un compositor contemporáneo americano que comenzó sus estudios formales en Juilliard y continuado en University of Michigan, Bard College, y Princeton University donde obtuvo su PhD. Aunque en sus principios compuso exclusivamente el sistema de doce-tonos, pronto descubrió que podía expresarse en un nuevo lenguaje musical que utilizaba muchas sonoridades enlazadas dentro de una estructura encontrada en música atonal o de doce-tonos. Zuckerman ha escrito para instrumentos solistas, bandas, y orquestas, pero tal vez su composición más aclamada es su arreglo de veinte canciones Yiddish para coro acapella.

    Originalmente Zuckerman compuso Civic Celebration (Celebración Cívica) en 2016 como tributo a la HCS en su aniversario #50, pero su presentación es igualmente apropiada para la celebración del 150 aniversario de Holyoke. Tiene cierto tipo de nobleza exuberante, adecuado para la ocasión y el espíritu en el cual l ciudad como igualmente la HCS y su director han perseguido en sus respectivas misiones.

    Civic Celebration provee una oportunidad a todos en la orquesta de contribuir algo importante, incluso instrumentos que normalmente no se destacan, como el piccolo o el triángulo, en roles cruciales. Esta pieza comienza y termina en una fanfarria. Entremedio se encuentran dos temas - ambos basados en la fanfarria - lo cual son exploradas en secuencia y luego combinados.

    Bruce Broughton ha disfrutado de una carrera exitosa como compositor de música de concierto, cine, y televisión. En adición a ganar diez premios Emmy, ha sido nominado a un Grammy por componer música para Young Sherlock Holmes y un Premio de la Academia en su trabajo en la exitosa película occidental americana Silverado de Lawrence Kasdan. Broughton originalmente compuso su Concierto para Tuba como una sonata para tuba y piano en 1978. Su meta fue producir una pieza que represente la tuba como un instrumento ágil y melódico que entretuviera al ser escuchada y divertida de ejecutar. Para facilitar su programación en conciertos, él escribió otra dos versiones, uno como concierto con vientos orquestales y otro con orquesta que escucharemos hoy. El resultado es una de las mejores composiciones para tuba escrita en los últimos cincuenta años.

    Esta pieza tiene una duración de 12 minutos y contiene una estructura clásica simple. El primer movimiento, Allegro Moderato, sigue la estructura sonata-allegro. El segundo movimiento, Andante Moderato (nombrado Aria) es una canción de forma ternaria ABA, y el último movimiento, Allegro leggiero, es un Rondo. Broughton se ha restringido de incluir pasajes solísticos llamativos o cadencias, pero en cambio ha incorporado técnicas artísticas que sirven a la música. Como él ha declarado en sus propias notas de concierto, el Concierto para Tuba está diseñado a entretener la audiencia y debe ser ejecutado con esa meta en mente.

    Johannas Brahms nació en Hamburgo en el 7 de mayo de 1833 en una familia luterana. Él dedicó mucho de su vida profesional en Vienna, Austria, donde fue un líder de la escena musical en la segunda mitad del decimonoveno siglo. El compuso para piano, música de cámara, orquesta sinfónica, voz y coro.Un pianista virtuoso, estrenó muchas de sus propias obras, y trabajó con algunos de los ejecutantes principales de su tiempo, incluyendo la pianista Clara Schumann y el violinista Joseph Joachim. La popularidad e influencia de Brahms fue considerable durante su vida. Continuando un comentario por el conductor del siglo diecinueve Hans von Bülow, Bhrams es agrupado con Bach y Beethoven como uno de “los tres B”.

    Aunque Brahms sólo tenía 50 años cuando compuso su tercera sinfonía, rememoró a sus días de joven con una citando el lema musical Freí abre froh (“Libre pero feliz”) el cual fue su respuesta al desafiante lema de Joseph Joachim Freí aber einsam (“libre pero solitario”). La sinfonía numero 3, la más corta de sus sinfonías, es una favorita de las salas de conciertos, trazada en cuatro movimientos. El primero, Allegro con brio, abre con dos acordes (Fa mayor- La mayor- Fa mayor) - un motivo que se desarrollará durante el movimiento. Este movimiento pasa por muchos giros y vueltas, pero los fundamentos musicales siempre se encuentran en el primer plano. Una sección de carácter bailable se apodera, con las cuerdas y vientos se llaman y responden entre ellos. El uso de metales en la sección de fanfarria y el precedente al final del movimiento, crean un efecto fructífero bien emocionante.

    El segundo movimiento en Do Mayor Andante - comienza con un motivo estilo coral en los vientos agudos que es interrumpido por las cuerdas, con los vientos dirigiendo esta sección de manera valiente. También hay momentos de nostalgia al igual que el clarinete ejecuta maravillosas líneas solistas a través del movimiento.

    El tercer movimiento - poco allegretto- cambia su tonalidad a do menor en una mezcla de pizzicato y arco en las cuerdas creando un timbre maravilloso que se desarrolla hacia un final delicado del movimiento.

    El movimiento final - Allegro-Un poco sostenuto- regresa para enfatizar el motivo Fa-La-Fa. Hay muchos cambios de ánimos con la tonalidad cambiante entre mayor y menor. Un textura febril en las cuerdas no se dirige al final triunfante esperado, sino a una resolución calmante. La manera en que esta sinfonía termina era prácticamente desconocida para la era Romántica, pero permite a la música relajarse y recordar en memoria la apretura de la sinfonía.

2023 Fall Concert Poster

Sunday, October 15, 2023 at 3:00 p.m.

Holyoke Community College

Bruce Broughton: Tuba Concerto
Mark Zuckerman: Civic Celebration
Johannes Brahms: Symphony No. 3

Horn in the U.S.A.

  • Download the Program: Download
  • Translation Link: Haga clic aquí para la traducción al español.
  • Minute with the Maestro: Minute with the Maestro
  • Location: Holyoke Community College
  • Author: Jane Rausch
  • Program Notes:

    Our concert today spotlights the Horn (commonly known as the French Horn), perhaps the most elegant member of the brass menagerie. Certainly, it is one of the longest, for if all of its tubing were uncoiled, it would measure between twelve and thirteen feet. Our soloists, Jean Jeffries and Joshua Michal, both play conventional double horns, but Jeffries’s horn was made in Mainz, Germany, while Michal purchased his in Vermont from Steve Shires, a master craftsman of brass instruments.

    There are subtle differences between the two instruments, the most notable being the arrangement of the valves or rotors (as they are called). Both are essentially two horns in one. For example, if Jeffries presses down her thumb valve, the air goes through a different set of tubes, and becomes a B-flat horn. When she plays the instrument without pressing down any levers, it is on the F harmonic series, which means it is an F horn. As we will hear, the two options offer a fully chromatic horn across four octaves and an excellent chance at hitting the extremely high notes cleanly and accurately.

    Georges Bizet (1838–1875) was a French composer of the Romantic era best known for his operas, whose career was cut short by his early death from a heart attack. Born in Paris, the son of amateur musicians, he was considered a child prodigy. He was able to read and write music at age four and entered the National Conservatory in Paris at age nine, where he earned a series of prizes for music theory, organ, piano, and composition. His symphony in C, written at age seventeen, is still considered a master work. But his greatest success was his final work, the opera Carmen one of the most frequently performed works in the entire opera repertoire. Nearly as popular is the incidental music he composed in 1872 for Alphonse Daudet’s play L’Arlésienne. Although the play failed, Bizet rescued the best music and assembled two suites for orchestra. Today, we perform the L’Arlésienne Suite No. 1, which consists of four movements:

    1. Prelude. Bizet borrows the French Christmas carol “The March of the Kings” and offers it in several ways: the strings, woodwinds, and horns open with a vigorous rendition; then the woodwinds alone play it as a quiet chorale. The full orchestra with percussion and brass follows, presenting the melody as a storm at sea. Cello, horn, and bassoon then offer the theme with gently looping rhythms, and the final variant is a return to full orchestra with military flourish. Bizet ends the movement with a second melody featuring the saxophone, its first appearance in the standard orchestral repertoire following its invention in 1844 by the fiery Belgian instrument maker, Adolphe Sax.

    2. Minuetto. This movement begins with a sharp, rhythmic melody passed from section to section within the orchestra before yielding to the soaring second subject. The piece ends, as any proper classical minuet should, by returning to the first theme.

    3. Adagietto. Scored for strings alone, the instruments are muted using a device to dampen their sound, giving a hushed, veiled quality to the heartfelt music.

    4. Carillon. As the name implies, the orchestra imitates the ringing of church bells in the opening that quiets as the first theme is introduced by the violins. The second theme is a gentle sicilienne, and the piece closes with the return of the Carillon.

    Gina Gillie is a professor of music at Pacific Lutheran University where she teaches a variety of music courses, conducts the horn choir, and performs frequently with faculty groups and chamber recitals. She got her start as a composer in graduate school and has since been commissioned to write several works for chamber settings. Her 2020 composition for trombone octet, Mountain Ascent, won the 2022 International Women’s Brass Conference Composition Contest.

    Gillie wrote The Great Migration in 2012 as a duo for two horns and piano, but in 2023, at the request of several musicians, she arranged it for two horns and orchestra. She has graciously provided the following description of this piece which recounts the migratory cycle of the wildebeests of the Serengeti. Each year, these animals undertake an arduous journey from Tanzania to the Maasai Mara of Kenya and back. The composition portrays various scenes from their journey, and seeks to capture some of the playfulness, peril, and grandeur of the cycle.

    The work begins during the rainy season in Tanzania with a staccato orchestra motif that symbolizes the falling of raindrops and imitates the sound of a mbira (an African percussion instrument that is plucked rather than shaken). During this introduction the horns take up a playful melody and countermelody. The lighthearted beginning is followed by the rutting season during which the male wildebeests fight for breeding rights. The drive of the music increases, and various rips and heavy accents portray the clashing of wildebeests’ horns and dusty scuffling of their hooves. After the breeding season, the land begins to dry up from a lack of rain, and the herds begin their journey north to Kenya to find more verdant plains on which to feed.

    The herds set out on their trek with a fanfare-like theme conveying their determination. During their travels they will face many perils and stop for almost nothing. So driven are they to reach their destination that they will even travel by night. This nocturnal aspect of the journey is portrayed by whole tone scales which create a foreign and eerie quality. After much traveling, the wildebeests reach their destination, the Maasai Mara of Kenya, which is green with grasses. The rejoicing of the herds is portrayed by a bouncy call-and-response theme in the horns, which dances and lilts through various time changes. The herds graze here until the rains return, which is a signal to begin migration back to Tanzania.

    The journey back is extremely perilous, since rivers that were dry before are now swollen with new rains. The Mara River will claim many lives due to its rapidly flowing waters and the crocodiles who have awakened for the feast. The undulant 6/8 meter portrays the swirling waters, and the glissandos and accents imitate the snaps and bites of the crocodiles. Those that do make it across the river and back to Tanzania return home to rich grasslands and the births of the new calves. The journey has been hard, and the final music portrays the heroic success of the wildebeests who have survived to begin the cycle again.

    Brian Balmages is an award-winning composer, conductor, producer, and performer. The music he has written for winds, brass, and orchestra has been performed throughout the world with commissions ranging from elementary schools to professional orchestras. He wrote A Festive Fanfare as a celebratory overture for a winter holiday program, infusing driving original material with holiday favorites. The piece includes several well-known carols, though they are not approached as a medley. Rather, they are treated as small excerpts that appear throughout the fanfare without artificial transitions connecting them together.

    Jonathan Allentoff is an accomplished conductor, composer, and performer who teaches at the Eastman Community Music School. He wrote the Chanukah Divertimento to help celebrate the holiday season. The piece includes the songs “Chanukah O Chanukah,” “Maoz Tsur (Rock of Ages),” and “Mi Y’malel.”

    Bob Krogstad was a well-respected figure in the music business as a composer, arranger, and conductor, both in sacred and secular music. In Christmas at the Music, a concert medley for orchestra, he incorporates some of the most memorable songs and themes from six classic holiday films: “Somewhere in My Memory” (from Home Alone), How the Grinch Stole Christmas; Miracle on 34th Street; The Polar Express; A Christmas Story, and The Nightmare Before Christmas.

    “Hark! The Herald Angels Sing” was composed by Charles Wesley in 1739. Maestro David Kidwell created the arrangement we hear today as played by the Holyoke Strings.

    John Finnegan was drum major of the Harvard marching band in the 1940s. After he graduated in 1947, he continued for twelve years to arrange music for the band. Among these compositions, his Christmas Singalong, an attractive medley of seasonal favorites, has achieved enduring popularity and has been a frequent feature of our concerts.

    Cambridge-born composer and arranger Leroy Anderson studied at Harvard and conducted its band from 1931 to 1935. He then went on to work in Boston and New York as an arranger and orchestrator. He wrote many familiar, light concert pieces that are audience-pleasers for their hummable melodies, infectious rhythms, and striking effects. Somewhat ironically, Anderson composed Sleigh Ride in 1946 during a long heat wave. Mitchell Parish wrote the lyrics that tell of a person who would like to share a sleigh ride on a winter’s day with another person. This colorful piece has been a holiday favorite ever since it was first recorded in 1949 and provides a rollicking conclusion to our joyful concert.

  • Author (2): Notas del programa por Jane Rausch, traducido por Eugenio Figueroa
  • Program Notes (2):

    “La Colección Musical de Metales”

    Corno en E.E.U.U.

    En el concierto de hoy destaca el Corno (mejor conocido como la trompa francesa), tal ves el miembro mas elegante de los metales. Ciertamente, es uno de los más largos, por toda su tubería que si se desenrollara, mediría entre doce y trece pies. Nuestros solistas, Jean Jeffries y Joshua Michal, ambos ejecutan el convencional Corno Doble, pero la trompa de Jeffreis fue hecha en Mainz, Alemania, en el cual la de Michal compro la suya a Steve Shires en Vermont, un maestro en la construcción de instrumentos metales.

    Hay pequeñas diferencias entre los dos instrumentos, la más notable siendo el arreglo de las válvulas o rotores (como le es llamado). Esencialmente, ambas son dos cornos en uno. Por ejemplo, si Jeffries presiona la válvula de su pulgar, el aire atraviesa por una tubería diferente, y se convierte en una Trompa en Si bemol. Cuando ella ejecuta su instrumento sin presionar alguna palanca, estaría en la serie armónica de Fa mayor, lo que significa el corno en Fa. Como vamos a escuchar, las dos
    opciones ofrecen una trompa cromática a través de cuatro octavas y una oportunidad excelente oportunidad para ejecutar notas sumamente agudas claras y precisas.

    George Bizet (1838-1875) fue un compositor francés de la época romántica mejor conocido por sus óperas, lo cual su carrera fue acortada por una muerte temprana de un ataque al corazón. Nacido en Paris, el hijo de músicos aficionados, era considerado un niño prodigio. Él era capaz de leer y escribir música a los cuatro años y entró al Conservatorio Nacional de Paris a la edad de nueve, donde gano una serie de premios por teoría musical, órgano, piano y composición. Su sinfonía en Do, escrita a los diecisiete años, es aún considerada una obra maestra. Pero su mayor éxito fue su última obra, la ópera Carmen – una de las obras más ejecutadas en el completo repertorio operístico. Casi tan popular como su música incidental compuesta en 1872 para la obra teatral de Alphonse Daudet, L’Arlésienne. Aunque la obra teatral fue un fracaso, Bizet rescato su mejore música y la ajusto para dos suites de orquesta. Hoy interpretaremos L’Arlésienne Suite Num. 1, que consiste en cuatro movimientos:

    1. Preludio. Bizet toma prestado del villancico francés “La marcha de los Reyes” y lo ofrece de varias maneras: en las cuerdas, vientos maderas, y las tropas abriendo con una interpretación vigorosa; donde los vientos maderas solamente lo ejecutan en un coral silencioso. La entera orquesta con percusión y metales continúan, presentando la melodía como una tormenta en alta mar. Luego los cellos, cornos, y fagot ofrecen el mismo tema con ritmos repetidos suavemente, y en su variación final regresa la orquesta completa con un gesto militar. Bizet termina el movimiento con una segunda melodía presentado el saxofón, en su primera aparición en repertorio estándar orquestal luego de su invención en 1844 por el ardiente creador de instrumentos metales, Adolphe Sax.

    2. Minuetto. Este movimiento empieza con una melodía rítmica marcada, pasada entre secciones de la orquesta antes de ceder al agudo segundo sujeto. Esta pieza termina, como un adecuado Minuet clásico debería, regresando al primer tema.

    3. Adagietto. Solamente orquestado para cuerdas, los instrumentos están callados utilizando un dispositivo para callar su sonido, dando una silenciosa, encubierta cualidad al sentido musical.

    4. Carillon. Como el nombre sugiere, la orquesta imita el sonido resonante del campanario de la iglesia en el comienzo que calla cuando el primer tema es introducido por los violines. El segundo tema es una suave siciliana, y la pieza termina con el regreso del Carillon.

    Gina Gillie es profesora de música en la Universidad Pacific Lutheran donde enseña una variedad de cursos musicales, dirige el coro de trompas, y ejecuta frecuentemente con grupos de facultad y música de cámara. Ella obtuvo sus comienzos como compositora en escuela graduada y desde entonces ha comisionado varias obras de configuración de cámara. Su composición para octeto de trombón del 2020, Mountain Ascent, gano el premio 2022 del concurso dentro del International Women’s Brass Conference Composition Contest (Conferencia Internacional de Metales para Mujeres).

    Gillie compuso The Great Migration (La Gran Migración) en 2012 como un dúo para dos cornos y piano, pero en 2023, por pedido de varios músicos, lo orquestó para dos cornos y orquesta. Amablemente ella a proveído la siguiente descripción de esta pieza en el recuenta el ciclo migratorio de las bestias salvajes del Serengeti. Cada año estos animales emprenden una ardua jornada de Tanzania a el Maasai Mara de Kenya y de vuelta. La composición retrata varas escenas de la jornada, y busca capturar alguna de as juguetonas, peligrosas, y grandeza del ciclo.

    La pieza comienza con la época lluviosa en Tanzania con un motivo staccato orquestal que simboliza la caída de las gotas que imita el sonido del mbira (instrumento africano que mas bien es punteado que agitado). Durante la introducción los cornos toman un melodía y contra melodía juguetona. El principio alegre es seguido por la época de celo, durante la cual los machos de las bestias salvajes luchan por derechos de reproducción. El impulso de la música aumenta, y varios cortes y acentos pesados retratan el choque de as bestias entre los cuernos y polvorientos golpes de las pezuñas. Después de la temporada de reproducción, la tierra comienza a secarse por la falta de lluvia y los rebaños comienzan su viaje al norte hacia Kenya para encontrar llanuras mas verdes donde alimentarse.

    Los rebaños emprenden du viaje con un tema fanfarria que transmite su determinación. Durante sus viajes se enfrentarán a muchos peligros y casi no se detendrán por nada. Están tan motivados por llegar a su destino que incluso viajarán de noche. Este aspecto nocturno del viaje está representado por las escalas de tono completo que crean una cualidad extraña y misteriosa. Después de mucho viajar, las bestias salvajes llegan a su destino, el Masai Mara de Kenia, que está verde lleno de pastizales. El regocijo de los rebaños se representa mediante un tema de llamada y respuesta en los cornos, que baila y canta a través de varios cambios de métrica. Los rebaños apacientan aquí hasta que vuelven las lluvias, lo que es una señal para comenzar la migración de regreso a Tanzania.

    El viaje de regreso es extremadamente peligroso ya que los ríos que antes estaban secos ahora están crecidos con las nuevas lluvias. El río Mara cobrará muchas vidas debido a su rápida corriente y los cocodrilos que se han despertado para el banquete. La ondulante métrica de 6/8 retrata las aguas arremolinadas, y los glissandos y acentos imitan los chasquidos y mordiscos de los cocodrilos. Aquellos que logran cruzar el río y regresar a Tanzania regresan a sus ricos pastizales y a los nacimientos de sus nuevas crías. El viaje ha sido duro y la música final retrata el heroico éxito de la bestias que han sobrevivido para comenzar de un nuevo ciclo.

    Brian Balmages es un compositor galardonado, director, productor, y ejecutante. La música que ha escrito para vientos, metales y orquesta se ha interpretado en todo el mundo por comisiones que van desde escuelas primarias hasta orquestas profesionales. ÉL escribió A Festive Fanfare (Una Fanfarria Festiva) como una obertura de celebración para un programa navideño, infundiendo material original de con los favoritos de las fiestas navideñas. La pieza incluye varios villancicos conocidos, aunque no se enfocan como un popurrí. Más bien, se tratan como pequeños extractos que aparecen a lo largo de la fanfarria sin transiciones artificiales que los conecten.

    Jonahan Allentoff es un director realizado, compositor e intérprete que enseña en la Eastman Community School. Escribió el Divertimento de Janucá para ayudar a celebrar la temporada festiva. La pieza incluye las canciones como “Chanukah O Chanukah”, Maoz Tsur (roch de los siglos)” y “Mi Y’malel”.

    Bob Krogstad fue una figura muy respetada en el negocio músical como compositor, arreglista y director de orquesta, tanto de música sacra como secular. Christmas at the Movies (Navidad en las películas), un popurrí de concierto para orquesta, incorpora algunas de las canciones y temas más memorables de seis películas navideñas clásicas: “Somewhere in My Memory” (de Mi pobre Andelito), Como el Grinch Robó la Navidad, De Ilusión También se vive; El expreso Solar; Cuento de Navidad, y El extraño mundo de Jack.

    “Hark the Herald Angels Sing” (“Oid un son en alta esfera”) fue compuesto por Charles Wesley en 1739. El maestro David Kidwell creó el arreglo que escucharemos hoy interpretado por cuerdas de Holyoke.

    John Finnegan era redoblante mayor de la banda de música de Harvard en la década de 1940. Después de graduarse en 1947, continuó durante doce años arreglando música para la banda. Entre estas composiciones, su Christmas Singalong, un atractivo popurrí de los favoritos de la temporada, ha alcanzado una popularidad duradera y ha sido interpretada frecuente en nuestros conciertos.

    El compositor y arreglista nacido en Cambridge, Leroy Anderson, estudió en Harvard y dirigió su banda de 1931 a 1935. Luego trabajó en Boston y Nueva York como arreglista y orquestador. Escribió muchas piezas de concierto ligeras y familiares que agradan al público por sus melodías tarareables, ritmos contagiosos y efectos sorprendentes. Irónicamente, Anderson compuso Sleigh Ride en 1946 durante una larga ola de calor. Mitchel Parish escribió la letra que habla de una persona a la que le gustaría compartir un paseo en trineo en un día de invierno con otra persona. Esta colorida pieza ha sido una de las favoritas de las fiestas desde que se grabó por primera vez en 1949 y ofrece una conclusión alegre a nuestro alegre concierto.

2023 Winter Concert Poster

Sunday, December 10, 2023 at 3:00 p.m.

Holyoke Community College

Gina Gillie: The Great Migration
Georges Bizet: L‘Arlésienne
Brian Balmages: A Festive Fanfare
Jonathan Allentoff: Chanukah Divetimento
Bob Krogstad: Christmas at the Music
Charles Wesley: “Hark! The Herald Angels Sing” arr. David Kidwell
John Finnegan: Christmas Singalong
Leroy Anderson: “Sleigh Ride”